Nordil, tú qué haces para que no te duela

NORDIL, TÚ QUÉ HACES PARA QUE NO TE DUELA (HET SCHNITZELPARADIJS)
Director: Martin Koolhoven
Reparto: Mounir Valentyn, Bracha van Doesburgh, Mimoun Oaïssa…
Holanda – 2005

ARGUMENTO
Nordip es un joven que acaba de terminar sus estudios universitarios. Su padre ha puesto en él todas sus esperanzas para que se convierta en el profesional que siempre soñó ser. Sin embargo, Nordip no tiene tan claras sus expectativas de futuro. Por este motivo decide empezar a trabajar en verano en la cocina de un hotel, un auténtico desastre donde jóvenes de distintas culturas conviven y se hacen la vida imposible los unos a los otros. Ni que decir tiene que Nordip sufrirá todo tipo de novatadas.

CRÍTICA
A pesar del extraño y largo título que le han dado a la película para su estreno en España (dos años después de su estreno en Holanda), Nordil, tú qué haces para que no te duela no dista mucho de la típica comedia gamberra americana que tan acostumbrados estamos a ver.

En Nordil está presente la figura del pez fuera del agua, en este caso un joven con estudios universitarios que tiene que juntarse y sobrevivir junto a todos los gamberros que trabajan en la desastrosa cocina de un hotel. En la comedia también están presentes el padre que espera que su hijo no se dedique a otra cosa que lo que él ha planificado, la chica guapa que parece inalcanzable y que luego no lo es tanto, y, por supuesto, un cambio en la mentalidad y los valores del protagonista, después de pasar por una situación límite a la que nunca se había enfrentado.

Lo mejor de la película es que ofrece a los espectadores la oportunidad de ver un producto de origen holandés, un tipo de cinematografía a la que apenas tenemos acceso. Aunque también es cierto que si esta película ha llegado a nuestras pantallas es porque no se aleja demasiado de lo que hemos visto repetido una y otra vez. Por lo tanto, que nadie vaya a verla con más pretensiones que echarse alguna risa a partir de chistes verbales o visuales que ya nos han contado antes.

ABOGADO
Es una comedia ligera, cuyo único objetivo es intentar arrancarle unas sonrisas al espectador. Habrá quién se ría más y habrá quien apenas lo haga.

FISCAL
La película no ofrece nada nuevo, salvo su nacionalidad y la oportunidad de descubrir a un director y a unos actores completamente desconocidos en España. Aparte de eso, no hay nada en la película que vaya a sorprender especialmente a nadie.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Nordil, tú qué haces para que no te duela...
Ve a verla si te fallan otras opciones que tuvieses previamente seleccionadas. Si finalmente la ves y no vas con muchas pretensiones puedes pasar un rato agradable, sin más.

El halcón maltés

EL HALCÓN MALTÉS (THE MALTESE FALCON)
Director: John Huston
Reparto: Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre …
EEUU – 1941

ARGUMENTO
El detective Samuel Spade y su ayudante son contratados por una mujer preocupada por el paradero de su hermana. Lo que parece un caso más resulta ser una trampa. En realidad el objetivo de la mujer es averiguar la localización de una valiosa estatuilla: un halcón cuyo origen se remonta a la época del Emperador Carlos V. De esta forma, Spade se involucrará en una peligrosa trama dominada por la codicia de muchos hombres en lucha por hacerse con el preciado halcón.

(El halcón maltés) es del material con que se forjan los sueños.
Samuel Spade

COMENTARIO
El halcón maltés es para muchos el punto de partida del cine negro norteamericano. Un tipo de cine que suponía una evolución con respecto al cine de gangsters, en el que los personajes y sus actos eran completamente maniqueos desde el comienzo de cada película, quedando muy claro siempre quienes representaban el bien y quienes el mal, con muy contados flirteos en este sentido.

El halcón maltés supuso, además, el comienzo de la gran carrera cinematográfica del director John Huston, quién a partir de entonces dio al cine títulos tan importantes como El tesoro de Sierra Madre, La jungla de asfalto o La reina de África. Huston debutaba detrás de las cámaras con la adaptación de la famosa novela de Dashiell Hammett, escritor que había forjado la popularidad de la novela negra a lo largo de los años 30, junto a otros autores como Raymond Chandler o Mickey Spillane.

Huston era consciente del éxito y de la aceptación social de este tipo de novelas y llevó a cabo una de las adaptaciones más fieles que han tenido lugar en la historia del séptimo arte. Al director le gustaba tanto la atmósfera del libro de Hammett que encargó a su secretaria que hiciese una trascripción del mismo, desglosándolo por escenas y utilizando los diálogos originales. El guión llegó tal cuál a un productor de la Warner Bros., quién quedó encantado con la adaptación y dio luz verde al proyecto.

Con El halcón maltés también se popularizó la figura de Samuel Spade, el detective protagonista de la novela de Hammett, y seña de identidad del cine y la novela negra. Con el personaje de Spade se afianzaba en el género el prototipo del hombre duro, con gabardina, solitario y escéptico, con grandes dosis de ironía, inmutable ante el peligro, y con una forma de fumar y un código ético muy característicos.

El encargado de dar vida al protagonista de la película fue ni más ni menos que Humphrey Bogart, quién catapultó su carrera cinematográfica a partir de ese momento, y se convirtió en el icono más reconocible de un género cuyos personajes protagonistas interpretarían desde entonces grandes actores como Robert Mitchum, James Cagney o Charlton Heston, entre otros.

Por último, comentar la herencia del expresionismo en la estética de la película de John Huston en particular, y del cine negro en general. Se trata de un tipo de estética que tiene en la noche su principal componente. Un espacio de sombras, penumbra y figuras recortadas a contraluz. Todas ellas representadas en planos que, en muchas ocasiones, huyen de la horizontalidad, de forma que los personajes quedan reflejados con una mayor distorsión y ambigüedad.

ABOGADO
Para algunos, la fama de El halcón maltés y su repercusión posterior hacen que sea la obra maestra del cine negro. Para otros, la película de Huston simplemente marcó el camino que directores como Jacques Tourneur y Orson Welles seguirían para realizar las verdaderas grandes películas del género: Retorno al pasado y, sobre todo, Sed de mal. En cualquiera de los casos, estamos ante una película que marca un antes y un después, algo que está al alcance de muy pocos títulos.

FISCAL
Como todo cine de género, El halcón maltés cuenta con el lastre de los estereotipos. Los detectives misóginos y solitarios, las mujeres fatales, los policías corruptos… Todos son elementos que se repiten una y otra vez en este tipo de filmografías, y por lo tanto hacen que resulten menos sorprendentes.

VEREDICTO
¿Por qué El halcón maltés es un clásico imprescindible?

Porque además de una historia llena de intriga e interés, es un capítulo fundamental en la historia del cine.

El golpe

EL GOLPE (THE STING)
Director: George Roy Hill
Reparto: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw…
EEUU – 1973

ARGUMENTO
Años 30, Chicago. Johnny Hooker es un experto timador que se gana la vida junto a Luther Coleman llevando a cabo pequeños golpes para sobrevivir. Un día engañan a un hombre que trabaja para Doyle Lonnegan, uno de los mayores gangsters de la zona. Como represalia Luther Coleman es asesinado. A raíz de la muerte de su socio, Johnny Hooker entablará contacto con Henry Gondorff, otro viejo conocido del fallecido, para entre los dos trazar el gran golpe que vengue la muerte de su amigo.

Sí me conoces, soy igual que tú. Son las dos de la madrugada y no sé a dónde ir.
Johnny Hooker.

COMENTARIO
Considerada por muchos una de las cien mejores obras de la historia del cine, y ganadora de siete premios Oscar (película, director, guión original, música, dirección artística, montaje y vestuario), la película protagonizada por Paul Newman y Robert Redford es una obra maestra que, a diferencia de otras, resulta brillante y entretenida a partes iguales, con capacidad de encandilar a todo tipo de públicos.

Una de las claves del éxito de la película es su fusión de géneros. El golpe es una revisión del cine negro (ambientada en el Chicago posterior a la gran depresión económica), con la comedia como clave que prevalece por encima del resto de géneros cinematográficos, y con un peso específico de los elementos y personajes característicos del cine y las novelas de pícaros.

La banda sonora es una de las principales responsables de que esta película se contemple con una permanente sonrisa. Una música compuesta por Scott Joplin con arreglos de Marvin Hamlisch, que da a la historia un ritmo alegre y dinámico, en la que todo se contempla como un juego y no como hechos delictivos. Este uso de la música se ve acompañado por los dibujos que sirven de inicio a los distintos actos en que está dividida la película, dibujos que son otra apuesta por el entretenimiento.

La comedia está además representada por unos personajes que sonríen habitualmente. Como buenos pícaros, todos ellos hacen de su trabajo un juego, y eso les aleja de los hombres prototípicos del cine negro, mucho más impasibles y menos carismáticos.

Otro de los grandes elementos formales de la película en su dirección artística. Cada plano, ya sea interior o exterior, está repleto de color y luminosidad. Por su parte, el diseño de vestuario es una perfecta vuelta al estilo que caracterizó a las películas que dieron gloria años atrás al cine negro, y fue llevado a cabo por la mítica Edith Head (ganadora de ocho Oscars de la Academia a lo largo de su carrera, con más de treinta nominaciones por el diseño vestuario en películas como Vértigo, El crepúsculo de los dioses o Eva al desnudo).

Mención aparte merecen el director George Roy Hill y especialmente los dos protagonistas de la película, Paul Newman y Robert Redford, dos de las más grandes leyendas vivas del cine de Hollywood, que han demostrado a lo largo de sus respectivas carreras que la imagen de galán no tiene por qué ser incompatible con la de excelentes intérpretes.

ABOGADO
La película es una auténtica delicia para el espectador. Es perfecta para verla a cualquier hora del día y con cualquiera de los estados de ánimo posibles. Da igual cuántas veces se haya visto porque cada vez gusta más y siempre sorprende. Es una película 10, en todos los sentidos.

FISCAL
Hay quien acusa a la película de ser un producto puramente comercial, que simplemente buscaba repetir la fórmula artística que tan buen resultado dio en 1969 con Dos hombres y un destino, utilizando al mismo director y los mismos actores protagonistas.

VEREDICTO
¿Por qué El golpe es un clásico imprescindible?
Porque es una grandísima película que siempre apetece ver.

Bajo las estrellas

BAJO LAS ESTRELLAS
Director: Félix Viscarret
Reparto: Alberto San Juan, Julián Villagrán, Emma Suárez...
España – 2007

ARGUMENTO
Benito Lacunza malvive en Madrid tocando la trompeta en locales de mala muerte. Un día recibe la noticia de que su padre está a punto de fallecer y decide viajar hasta Estella, su pueblo natal, con más intención de sacar beneficio del testamento familiar que de velar a su progenitor en sus últimas horas de vida. Allí se reencontrará, entre otros compañeros de juergas de juventud, con su hermano, la novia de éste, y la hija de ella.

CRÍTICA
Bajo las estrellas es hasta la fecha la mejor película española del 2007. Es cierto que el listón no estaba especialmente elevado, pero no es menos verdad que la película es de las que merecen la pena, porque se sale de lo habitual y demuestra una vez más que la sencillez argumental no tiene por qué estar reñida con la calidad, y menos cuando los personajes que vemos en pantalla están llenos de simpatía, ternura y verdad.

El más grande de todos eso personajes es Benito Lacunza, un hombre alejado de prototipos al que el público acaba queriendo casi tanto como aquellos que le rodean en la película, y todo sin apenas esforzarse en buscar ese cariño. El personaje es tan bueno porque está perfectamente dibujado desde la primera línea de guión, pero sobre todo por el enorme actor que le da vida, Alberto San Juan, que con esta interpretación se sitúa en primera línea para ser el próximo premio Goya al mejor actor del año.

La película es además un perfecto ejemplo de integración de la historia en el contexto espacial en que se desarrolla. La naturaleza navarra, las costumbres de la zona, las cuadrillas de chavales en busca de fiesta e incluso alguna pincelada referida al nacionalismo más radical y detestable están presentes en Bajo las estrellas. Todo ello adornado con una gran banda sonora con la que muchos intentarán hacerse lo antes posible.

ABOGADO
La película arrasó en el pasado festival de Málaga y tiene todas las papeletas para convertirse en el Azul oscuro casi negro de este año. Está repleta de personajes que se hacen querer, de relaciones inolvidables (como la de Benito y la niña) y de interpretaciones que serán multipremiadas. Habrá que quedarse con el nombre de Félix Viscarret.

FISCAL
La película es más original e impredecible en sus dos primeros actos que en su parte final. Lejos de ser un mal desenlace, se pierde un poco la espontaneidad anterior.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Bajo las estrellas...

Entra a verla. Es cine español del bueno.

Black Snake Moan

BLACK SNAKE MOAN

Director: Craig Brewer

Reparto: Samuel L. Jackson, Christina Ricci, Justin Timberlake…

EEUU – 2006

ARGUMENTO
Lazarus es un músico de blues al que su mujer acaba de abandonar. Un día encuentra cerca de su casa a Rae, una chica mucho más joven que ha sufrido varias agresiones. Lazarus se interesa por la identidad de la chica y descubre que es ninfómana, y que ha mantenido relaciones con muchos hombres de la zona. Lejos de generarle rechazo, Lazarus intentará ayudar a la chica.

CRÍTICA
Qué difícil está ir al cine en esta época. Estadísticamente es la etapa del año en la que la menos gente acude a las salas, por eso las distribuidoras actúan en consecuencia y estrenan títulos de los que no deben esperar demasiado. Por cada entrega de Spiderman o Piratas del Caribe llegan a la cartelera varias películas sin demasiado tirón, y cuyo público potencial es aquel que se queda sin entradas para los grandes éxitos de taquilla.

Una de esas películas “de relleno” es Black Snake Moan, título que ha pasado casi desapercibido por su limitada presencia en salas, y porque los distribuidores parecen haber buscado a un tipo de espectador muy determinado, abusando de la imagen semidesnuda de Christina Ricci en el trailer promocional y trasladando así una imagen algo equívoca de la película.

Sin ser una película especialmente recomendable, Black Snake Moan es mucho más que una simple cinta erótica. El tema principal es el sexo convertido en enfermedad. La lucha de un hombre solitario y puritano por salvar de la ninfomanía a una chica joven que nada tiene que ver con él.

Esta relación entre los dos personajes es lo mejor de la película. Aunque parezca un recurso fácil, el enfrentamiento de dos personas extremas y opuestas entre sí funciona muy bien durante la mitad de la película. Tanto Christina Ricci como Samuel L. Jackson están muy a la altura en sus interpretaciones, como también lo está la estrella del pop norteamericana Justin Timberlake, y aquellos personajes secundarios que ayudan a introducir una nota cómica y a restar intensidad a la historia.

Sin embargo, a pesar del buen planteamiento inicial, Black Snake Moan no es una película que vaya a quedar para siempre en la memoria del espectador. El blues es un elemento más de la narración, y lo normal es salir del cine pensando que a la película le sobran, como mínimo, tres o cuatro canciones, que lo único que consiguen es desviar la atención del espectador.

Por este motivo, y porque se le podría haber sacado más partido a la historia, al final lo que queda es la sensación de haber visto unas cuantas escenas reseñables y una película que lejos de ser mala, podría haber sido mucho mejor.

ABOGADO
La ninfomanía no es un tema demasiado frecuente en el cine norteamericano, y menos tratada como foco de conflictos y no como excusa para introducir escenas eróticas en una película. En Black Snake Moan se da una visión de la enfermedad parecida a la adicción a las drogas, y se agradece este punto de vista.

FISCAL
La película acaba acusando el excesivo papel que tiene la música en la historia y una cierta falta de argumento. Se podría haber sacado mucho más de dos personajes así.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Black Snake Moan...

Entra a verla si ibas a ver la tercera parte de Spiderman o Piratas del Caribe y te has quedado sin entradas. Por lo que me han contado saldrás ganando.

Borrachera de poder

BORRACHERA DE PODER (L´IVRESSE DU POUVOIR)

Director: Claude Chabrol

Reparto: Isabelle Huppert, FranÇois Berléand, Patrick Bruel...

Francia / Alemania – 2006

ARGUMENTO
El presidente de un importante grupo industrial es detenido por malversación de fondos. La encargada de llevar el caso será Jeanne Charmant-Killman, una juez de instrucción con un carácter muy frío, que poco a poco irá descubriendo que hay más personas implicadas en la investigación de las que parecía en un principio. El complejo trabajo pondrá a la juez al límite, tanto a nivel privado como profesional.

CRÍTICA
Más que una borrachera de poder, la película resulta ser una auténtica borrachera de Jeanne Charmant-Killmant, el personaje protagonista y único motor de la historia. Este protagonismo desmedido tiene una gran parte positiva, y es que la actriz que da vida a la juez es Isabelle Huppert, una de las mejores actrices del mundo, y de la que podemos disfrutar prácticamente en el 95% de los fotogramas de la película.

Sin embargo, el excesivo protagonismo de Huppert hace que el resto de la historia se quede en la superficie. La investigación de la juez sobre un caso de corrupción se cuenta a través de pinceladas, generalizando y con mucha frialdad. Si a esto le sumamos que la vida privada de la protagonista acaba adquiriendo casi el mismo peso que su faceta profesional, lo que nos queda finalmente es una investigación muy ligera, que apenas genera tensión, y que, por lo tanto, no acaba de atrapar el interés del espectador.

Lo peor de todo es que la vida privada de la juez protagonista tampoco es especialmente entretenida, o al menos coherente. Nadie, ni siquiera la propia actriz que interpreta el papel, parece saber qué pasa por la cabeza de ese personaje. Esta ambigüedad podría haber sido una ventaja, pero al final, por muy brillante que sea la interpretación de Isabelle Huppert, Jeanne Charmant-Killmant acaba siendo un personaje opaco e indescifrable, con el que es muy complicado sentir algún tipo de conexión emocional.

ABOGADO
Hay pocas actrices en el mundo como Isabelle Huppert, un auténtico seguro de vida para directores y guionistas. Viendo la expresión de la protagonista uno cree que la película tiene mucho más de la superficie que se nos muestra... aunque no sea así.

FISCAL
La película parece escrita exclusivamente para Isabelle Huppert, y esto hace que la trama principal y el resto de personajes se vean profundamente afectados.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Borrachera de poder...

Salvo que seas muy fan del cine francés, de Claude Chabrol o, muy especialmente, de Isabelle Huppert, no creo que la película vaya cumplir, al menos, un tercio de tus expectativas.

Zodiac

ZODIAC

Director: David Fincher

Reparto: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr., Brian Cox…

EEUU – 2007

ARGUMENTO
El diario San Francisco Chronicle empieza a recibir cartas de un asesino en serie. En ellas va dando detalles de sus crímenes y pistas sobre su identidad y futuras agresiones. La policía y periodistas del medio se volcarán por intentar descifrar quién se esconde detrás de Zodiac, el nombre que firma todas esas cartas.

CRÍTICA
Zodiac es una gran película en todos los sentidos, incluida su duración. Cuenta los crímenes de un asesino en serie que tuvieron lugar en los años sesenta y setenta, y cuya investigación policial se prolongó nada más y nada menos que hasta el siglo XXI. El problema que verán algunos es que la película pretende ser más exhaustiva que cinematográfica, y en este sentido muestra más empeño en reflejar con fidelidad los hechos que tuvieron lugar, que en organizar el relato al más puro estilo hollywoodiense.

Esta fidelidad absoluta es la causa de que la película dure más de dos horas y media, y por la que muchos escucharan comentarios disconformes al final de la proyección. Es inevitable que una película tan extensa acabe haciéndose más o menos pesada, y supongo que también es normal que haya quien se sienta defraudado porque el final de la historia no sea tan impactante como se hacía presagiar.

El problema es que la realidad es diferente de la ficción, y el caso que refleja la película no tiene ni los pasos típicos ni un desenlace como los que estamos acostumbrados a ver en el cine. Dicho esto, es perfectamente lícito que los responsables de la película hayan querido ceñirse a la realidad tal y como sucedió, y más verdad aún que la película tiene muy poco que envidiar a los mejores thrillers que uno pueda recordar.

El artífice es David Fincher, responsable de grandes títulos como Seven o La habitación del pánico y uno de los directores más personales del cine actual. Sin embargo, Zodiac está alejada de su estilo habitual. Técnicamente es genial, como el resto de su filmografía, pero en esta ocasión el realizador vuelca todo su talento en recrear la estética propia del cine setentero, llevándose de viaje al espectador hacia la época en que todo sucedió, sin que falten los alardes cinematográficos tan característicos de su obra.

Al mismo nivel de la historia y de su genial realización está cada personaje de la película y los actores que los interpretan. Esto es así porque detrás de cada rol de policía, periodista o experto en caligrafía hay una persona de carne y hueso, y en ningún caso un estereotipo. Y detrás de esos personajes hay actores como Robert Downey Jr., que, por encima de uno de los mayores drogadictos de Hollywood, es un pedazo de actor. Y también jóvenes y camaleónicos intérpretes como Jake Gyllenhaal o Mark Ruffalo, quienes bordan en la película sus respectivos personajes.

ABOGADO
Zodiac es un viaje a lo mejor del cine de los años setenta, de la mano de uno de los mejores realizadores del nuevo siglo. Se trata de un gran thriller, de esos que tienen de todo, y muy bueno.

FISCAL
Lo mejor es preguntarle a alguien a quien no le haya gustado. Por lo que vi en el cine habrá unos cuantos, y dos claros culpables: la duración de la película y la excesiva fidelidad al conjunto de hechos que tuvieron lugar. Habrá quien piense que la realidad no siempre supera a la ficción.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Zodiac...

Entra a verla... con tiempo. Verás una gran película.

El retorno de los malditos

EL RETORNO DE LOS MALDITOS (THE HILLS HAVE EYES II)
Director: Martin Weisz
Reparto: Michael McMillian, Jessica Stroup, Daniella Alonso, Jacob Vargas…
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Un grupo de soldados llega a una base del ejército completamente aislada del resto del mundo. Allí no hay nadie. Alguien ha acabado con la vida de los científicos y soldados que desarrollaban su actividad en el lugar. Los recién llegados tendrán que intentar resolver el misterio y luchar por conservar su vida.

CRÍTICA
A veces ir al cine es negociar. En algunas ocasiones eres tú quien decide qué película ver y en otras deciden por ti. No suelo ir a ver películas como El retorno de los malditos, pero soy de los que piensa que en la vida hay que ver de todo, porque de todo se aprende… O al menos de casi todo.

Lo bueno de ir a ver una película así es que entras al cine con unas pretensiones muy limitadas. Sabes lo que vas a ver y muy mal se tienen que poner las cosas para que te den aún menos de lo que esperas. Lo malo es cuando, aún con todos estos precedentes, te sientes defraudado. Cuando compruebas que te han tomado el pelo.

El retorno de los malditos no aporta nada nuevo, en ninguno de los sentidos posibles. Es otra más de esas películas que confunden el género de terror con la carnicería y el asco que ésta produce. Tampoco hay intriga ni una mínima articulación imaginativa de la tensión. Tan solo golpes de sonido que intentan hacer creer al espectador que está viendo una película de miedo, cuando lo que ven en realidad es un producto vacío y repugnante.

El retorno de los malditos es, además, la segunda parte de Las colinas tiene ojos. ¿Por qué se hace una secuela de una película que pasó sin pena ni gloria? Para responder a esta pregunta debemos antes prestar atención a lo que vemos y comprobar cómo se ha hecho esta secuela.

La palabra clave es ahorrar. Lo primero, ahorrar en la producción. En lugar de rodar la historia en una ciudad o en un desierto con unas mínimas vistas agradecidas para el espectador, lo que hacen los productores es llevarse al equipo al desierto más gris e insignificante del planeta, o lo que es lo mismo, aquel en el que los permisos de rodaje son más baratos.

También se ahorra en el reparto. No hay un solo actor conocido en toda la película. Ni siquiera alguno que transmita lo más mínimo, al menos para que el espectador se quede con su cara y no se pregunte viendo la peli si a ese hombre no se lo habían cargado ya.

Ahorro también en el guión, aunque en los títulos hayan conseguido incluir al conocido Wes Craven y a su hijo. Tal vez los productores se hayan dejado algo más de dinero contratando a ambos como guionistas, pero está claro que ni el padre ni el hijo se han roto la cabeza a la hora de inventarse nada.

Tan solo parece haber algo de dinero en el maquillaje de los seres que intentan acabar con la vida de los soldados, y, por supuesto, a la hora de crear los efectos de sonido. Esos que retumban en la sala y hacen botar de sus asientos a los espectadores, ya sea un alienígena o una inocente abuela de cien años la que haya servido como excusa para romper los tímpanos de la gente.

La respuesta, por tanto, a por qué se hacen estas películas es que el precio que suman todos los factores que intervienen en su producción siempre va a ser inferior a lo que sumen las entradas vendidas en todo el mundo. Porque siempre va a haber gente que pique, aunque luego salga decepcionada. Y en la diferencia entre el mínimo coste de producción y el dinero recaudado está el negocio, y posiblemente, detrás de ese negocio, la destrucción de un género cinematográfico, y un golpe más al cine entendido como arte.

ABOGADO
La película dura 89 minutos… y se agradece. Al menos van al grano y no pretenden alardear. Además, este tipo de películas, por malas que sean, siempre tienen el valor añadido de ver cuántos de los protagonistas llegan vivos al final de la historia. En esta ocasión, también se puede apostar por la cantidad de gente que se saldrá de la sala antes de que acabe la película.

FISCAL
En general estamos ante un insulto a la gente que ha pagado por ver una película. El retorno de los malditos no solo no aporta nada que no hayas visto antes, sino que además bebe de lo peor de otros, de lo cutre y de lo desagradable.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo El retorno de los malditos…
Por favor, no piques. Es lo que están buscando los que se han gastado dos duros en hacerla… y no se lo merecen, en absoluto.

¿Quién dice que es fácil?

¿QUIÉN DICE QUE ES FÁCIL?

Director: Juan Taratuto

Reparto: Diego Peretti, Carolina Pelleritti, Laura Pamplona ...

Argentina / España – 2007

ARGUMENTO

Aldo es un hombre gris que tiene un negocio de lavado de coches. Un día alquila el piso de al lado de su vivienda a Andrea, una fotógrafa embarazada y con un estilo de vida muy liberal. Entre los dos surgirá una extraña relación que encontrará numerosos obstáculos en sus distintas formas de ver la vida.

CRÍTICA
¿Quién dice que es fácil? es la nueva película del director Juan Taratuto, autor de la divertida No sos vos, soy yo. Ambas películas están protagonizadas por Diego Peretti, uno de los actores argentinos de moda en España, gracias a éstos y otros títulos como Tiempo de valientes.

A pesar del gancho que sembraban estos precedentes, ¿Quién dice que es fácil? es un trabajo inferior a los anteriormente citados. Una comedia romántica con una carga romántica a la que le falta gancho, y con el actor Diego Peretti como único activo cómico.

La película resulta muy irregular. Hay un par de momentos realmente divertidos, y muchos instantes en los que el espectador contempla la historia con una sonrisa más o menos prolongada. Sin embargo, el resto del tiempo no hay una trama que atrape el interés del público, por lo que la película acaba acusando una cierta falta de ritmo, y termina por hacerse larga.

Quizás la principal causa de esta irregularidad sea la pareja protagonista. Un hombre y una mujer que mantienen una relación, sin que haya apenas química entre los personajes o los actores que los interpretan. Se trata, por tanto, de una pareja que se forma porque lo dice el guión, sin que el espectador encuentre una explicación convincente para saber qué hacen dos personas tan dispares conectando entre sí. Por ese motivo también es complicado implicarse demasiado con la historia.

Por otra parte, no se le debe restar el mérito que tiene al actor protagonista, el único que consigue levantar la película. Un hombre con un rostro peculiar y divertido que a veces solo con hablar arranca la carcajada del espectador. En esta ocasión da lugar a un personaje muy cercano a la órbita de Woody Allen, un hombre maniático al que le cuesta lanzarse a por una mujer que solo podría tener a su alcance en una película.

El actor está presente en casi todas las escenas de la película y a él le deben los espectadores el 95% de las risas que se escuchan en las salas de cine. Como sucede en este tipo de películas, habrá un público para el que esas risas sean suficientes, y, sin embargo, habrá quién necesite algo más para salir satisfecho. Yo estoy más con los segundos.

Dicho esto...

ABOGADO

¿Quién dice que es fácil? es una película agradable, que se contempla con una sonrisa la mitad del tiempo, y que guarda un par de momentos realmente divertidos, por los que muchos verán amortizado el precio de su entrada.

FISCAL

Depositar toda la carga cómica de la película en un actor nunca es recomendable. Al final sales del cine con la sensación de que te da igual lo que te hayan contado, y de que hubieses salido igual con cualquier argumento que hubiese tenido la película.

VEREDICTO

Si pasas cerca de un cine donde están poniendo ¿Quién dice que es fácil?...

No voy a decir que apuestes por otra comedia. No deja de ser una coproducción española y sería injusto desanimar a aquellos que le quieran dar una oportunidad. Supongo que todo dependerá de lo alto que llevemos el listón al ir al cine.

Marathon Man

MARATHON MAN
Director: John Schlesinger

Reparto: Dustin Hoffman, Laurence Olivier, Roy Scheider, Marthe Keller…

EEUU - 1976

ARGUMENTO
Thomas es un apasionado corredor de maratón. Su hermano Henry trabaja para el gobierno y está detrás de unos criminales, uno de los cuales es el doctor Szell, un antiguo nazi, que tiene escondida en Nueva York una cantidad importante de diamantes. Szell cree que Thomas sabe cómo llegar a los diamantes y le hace apresar. Se ocupa personalmente de torturarle para sacarle la información.

¿Están a salvo?
Dr. Christian Szell

COMENTARIO
Marathon Man es un thriller con mayúsculas. Una película que hace grande el género al que pertenece, y que el espectador contempla deseando que no se acabe nunca, para disfrutar eternamente de su historia, sus míticas escenas y sus ilustres interpretaciones.

La grandeza de Marathon Man empieza por la temática que refleja. La codicia y el odio histórico entre pueblos son facetas indeseables de la condición humana, que en la película quedan excelentemente retratadas, y sobre todo, perfectamente integradas en el conjunto de la historia.

Un ejemplo de esa perfecta integración es la mejor escena de la película. Aquella en la que el personaje al que da vida el gran actor Laurence Olivier, un antiguo oficial Nazi que hizo su fortuna a costa de las vidas de los judíos, camina por un barrio hebreo de Nueva York, en busca de un buen postor al que vender los diamantes que ganó en el pasado hostigando a los antecesores de esos compradores.

La escena está rodada en plena calle, con el nazi ya en su tercera edad, rodeado de judíos, y con el riesgo constante de ser reconocido por cualquiera de ellos en cualquier momento. El resultado es una secuencia extraordinaria, rodeada de tensión y de una atmósfera de odio aún patente, que nos hacen pensar que las heridas tardan mucho más en cicatrizar de lo que a veces pensamos.

La película está además repleta de secuencias de acción muy realistas. Persecuciones, peleas y visitas involuntarias al dentista, todas ellas rodadas sin alardes ni acrobacias artificiosas, con una planificación mucho más sencilla de lo que estamos acostumbrados a ver hoy en día, y seguramente mucho más efectiva. En este sentido, Marathon Man es un ejemplo de que, en ocasiones, una elipsis puede ser mucho más efectiva que el abuso de la sangre.

En cuanto al guión, comentar que su estructura no es del todo convencional. No es la típica historia en la que desde el primer momento vemos al “malo” (aunque vemos a unos cuantos), ni tampoco queda claro desde el principio qué tiene el “bueno” para serlo, o al menos para tener algo que ver con todo lo que se cuece lejos de él.

Ese guión menos masticado de lo habitual es obra de William Goldman, uno de los grandes escritores de Hollywood en el siglo XX, autor, entre otros, de los guiones de Todos los hombres del presidente o Dos hombres y un destino. Goldman es además escritor de los libros de memorias Aventuras de un guionista en Hollywood y Las nuevas aventuras de un guionista en Hollywood, ambos títulos de obligada lectura para los buenos cinéfilos, y también para aquellos que no lo sean.

Por último, con respecto a los actores, basta con echar un vistazo al reparto de intérpretes que protagonizan la película, y decir que todos y cada uno de ellos están, como mínimo, a la altura de lo que se espera de ellos: Espectaculares.

ABOGADO
Esta es otra de las obras maestras sin discusión del director John Schlesinger (Cowboy de medianoche). Una película que lo tiene todo para enganchar de principio a fin a todo tipo de espectadores: al que disfruta comiendo palomitas y a aquél que odia el ruido de los frutos secos a su lado.

FISCAL
Durante la primera mitad de la película es complicado hacerse una idea de por dónde van a ir los tiros (y nunca mejor dicho). Esta estructura de guión termina siendo un gran acierto, pero hay que prestar un poquito más de atención de la cuenta.

VEREDICTO
¿Por qué Marathon Man es un clásico imprescindible?

Porque si todos los thrillers fuesen como éste, el resto de películas parecerían aburridas.