domingo, 30 de diciembre de 2007

American Gangster

AMERICAN GANGSTER
Director: Ridley Scott
Reparto: Denzel Washington, Russell Crowe, Josh Brolin...
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Frank Lucas se ha convertido en el principal narcotraficante de Harlem y alrededores. Distribuye la droga de mejor calidad al menor precio posible. Por su parte, Richie Roberts es un policía insobornable cuya honradez laboral le ha puesto en contra de la mayoría de sus compañeros corruptos. El destino acabará cruzando los pasos de ambos hombres cuando a Roberts le encarguen la dirección de un comando policial antidroga.

CRÍTICA
Es uno de los mejores títulos del año, sin lugar a dudas. Hoy en día es casi imposible innovar en el cine de mafia, pero Ridley Scott sí ha conseguido un producto que, al menos, recuerda a lo mejor que se ha visto dentro del género en los últimos años. La película puede estar incluso por encima de la oscarizada Infiltrados, y tiene muy poco que envidiarle a un clásico contemporáneo del género: Uno de los nuestros, también del maestro Scorsese.

La película recuerda a otro de los grandes títulos del 2007: Zodiac, de David Fincher. Lo hace porque las dos son perfectas descripciones del ambiente delictivo y policial de los años setenta. Y también porque ambas están inspiradas en hechos reales. En este sentido, sale ganando la película de Ridley Scott, ya que los acontecimientos en los que está inspirada American Gangster tuvieron un desenlace mucho más concreto y cinematográfico, a diferencia de las truncadas y eternas investigaciones que pusieron fin a los hechos de la película de Fincher.

Algunos verán como principal lastre de American Gangster sus más de 150 minutos de duración, un metraje que casi podría considerarse estándar cuando hablamos de cine y crimen organizado. Sin embargo, en este caso el exceso está justificado para que el guión se recree en la presentación de los personajes. Gracias a ello, la película retrata de forma más profunda la biografía de sus protagonistas, un contexto histórico dominado por la guerra de Vietnam, así como un cierto debate en torno a conceptos como el poder o la honradez.

Aunque, de largo, el mayor activo de esos 150 minutos es que ofrecen más tiempo al espectador para disfrutar y deleitarse con todo el talento cinematográfico que contienen los títulos de crédito de American Gangster.

ABOGADO
Que más se puede decir de una película que ha dirigido Ridley Scottt, que han protagonizado Denzel Washington y Russell Crowe, y que no decepciona en absoluto. Da igual cómo se lleve al cine el listón de exigencias cinematográficas. La película funciona de principio a fin, y de ella saldrán varios de los próximos candidatos a los premios Oscar.

FISCAL
En toda buena (y mala) película en torno al crimen organizado hay una serie de lugares comunes repetidos una y otra vez en la historia del género. Solo hay un título como El padrino. El resto, siempre irán varios pasos por detrás.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo American Gangster...
Deja para después todo lo que fueses a hacer durante las próximas dos horas y media. Los amantes del buen cine no se la deben perder.

sábado, 22 de diciembre de 2007

Lejos de ella

LEJOS DE ELLA (AWAY FROM HER)
Director: Sarah Polley
Reparto: Julie Christie, Gordon Pinset, Olympia Dukakis
Canadá - 2006

ARGUMENTO
Fiona y Grant llevan casados más de cuarenta años. Aunque han tenido que superar alguna infidelidad en el pasado, actualmente no puede haber más complicidad entre ellos. Sin embargo, Fiona sufre Alzheimer y poco a poco su enfermedad se va agravando, lo que lleva a la mujer a tomar la decisión de ingresar voluntariamente en una residencia de la tercera edad. Después del ingreso, la relación entre ambos cambiará para siempre.

CRÍTICA
Sarah Polley, actriz fetiche de Isabel Coixet, debuta como directora de largometrajes con una historia que bien podría haber firmado la realizadora de Mi vida sin mí. Una película con la decadencia física y psicológica del cuerpo humano como tema principal, pero con una historia que va más allá y no se conforma con buscar la lágrima fácil.

La mitad de la película se desarrolla en una residencia de la tercera edad. Durante este tiempo se narra el funcionamiento de las mismas y la progresión lógica que sufren en ellas los ancianos. Para ello utiliza los ojos del marido de la protagonista, quién asiste impotente a la evolución de su esposa a causa de una enfermedad capaz de hacernos olvidar a aquellos que nos rodean toda una vida.

La película tiene algo de humor que ayuda a digerir el drama reinante, pero no es ese tono el que hace que la película gane más puntos, sino principalmente los dos actores protagonistas. Gordon Pinset y Julie Christie (que ya ha sido nominada a los Globos de Oro por Lejos de ella) están impagables dando vida a unas personas que no pueden ser más ni más nobles ni más sensatas.

Después del drama, Lejos de ella anima a vivir la vida, a buscar la felicidad incluso cuando parece improbable, y a estar junto a aquellos que aunque siguen a nuestro lado ya hace tiempo que se fueron, tan solo por la mínima esperanza de volver a ver algún día como sus ojos nos reconocen, aunque solo sea por unos segundos. Que no se la pierdan los amantes del cine de Coixet. Seguro que les gusta.

ABOGADO
Si Lars Von Trier hubiese dirigido Lejos de ella se habrían agotado las reservas de klinex en los comercios. Afortunadamente, Sarah Polley ha sido mucho más sutil y menos pornográfica.

FISCAL
Bastante tiene la historia con estar en las antípodas del cine comercial como para dar algún motivo a la gente para no ir a verla.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Lejos de ella...
Hay que entrar a verla en un buen momento, pero merece la pena. Es muy sencilla y deja muy buen recuerdo.

viernes, 21 de diciembre de 2007

Deseo, peligro

DESEO, PELIGRO (SE, JIE)
Director: Ang Lee
Reparto: Tony Leung Chiu Wai, Wei Tang, Joan Chen
EEUU / China /Taiwan / Hong Kong - 2007

ARGUMENTO
Durante la II Guerra Mundial, una joven empieza a colaborar con un grupo de universitarios chinos en contra del ejército japonés. Su misión será tratar de seducir a un poderoso mandatario que trabaja para el país invasor. Aunque en un primer momento el objetivo es acabar con la vida del hombre, pronto surge entre los dos una intensa pasión que complica las cosas.

CRÍTICA
Deseo, peligro es la nueva película de Ang Lee, director nacido en Taiwán, cuya filmografía abarca desde la simplemente comercial Hulk hasta la excelente y varias veces galardonada Brokeback Mountain. Por estilo y temática, Deseo, peligro está más en la línea de esta última, aunque a años luz en cuanto a su originalidad y capacidad para tocar la fibra sensible del espectador.

La historia tarda demasiado en enganchar al público, y lo peor es que tampoco es capaz de emocionar excesivamente en su parte final. La frialdad de los personajes y las dos horas y media no son sino lastres que hacen preguntarse al espectador si de verdad la cinta necesitaba de tanto metraje, y más teniendo en cuenta que se trata de una historia que solo se diferencia de otras en el contexto oriental desde el que vivimos la II Guerra Mundial.

La película recuerda a la reciente El libro negro, de Paul Verhoeven. De hecho, la muy explícita carga sexual de algunas escenas parecen más una estrategia de marketing para poder promocionar la película, que una necesidad dramática del guión. Los que la vean irán comprobando como, pasados unos días después de su visionado, apenas se recuerda de la película a un par de chinos en la cama montándoselo en extrañas posturas… y poco más.

ABOGADO
Ang Lee venía de hacer una obra maestra (Brokeback Mountain), y cuando uno tiene el listón tan alto lo normal es acabar decepcionando. Es posible que la película gane algunos puntos si no se llevan demasiadas expectativas.

FISCAL
Tomarse más de cuarenta y cinco minutos para empezar a plantear la historia es una brutalidad. La película no remonta la pérdida de tiempo inicial.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Deseo, Peligro...
Solo recomendable para amantes del melodrama sexual… si es que existe ese género.

domingo, 9 de diciembre de 2007

Mi hermano es hijo único

MIO FRATELLO È FIGLIO UNICO (MI HERMANO ES HIJO ÚNICO)
Director: Daniele Luchetti
Reparto: Elio Germano, Riccardo Scamarcio, Angela Finocchiaro
Italia / Francia – 2007

ARGUMENTO
Italia, 1961. El país levanta cabeza poco a poco después de la II Guerra Mundial. Durante este proceso, revolucionarios comunistas y nostálgicos del régimen de Benito Mussolini mantienen una enorme rivalidad por guiar los pasos del país en un momento tan delicado. En este contexto, Accio y Manrico son dos hermanos cuyo carácter e ideologías les hacen optar por caminos opuestos y enfrentados.

CRÍTICA
Mi hermano es hijo único es una de esas películas que resultan entretenidas e interesantes por igual. Aunque cualquiera puede sentir pereza por entrar al cine después de leer el argumento, lo cierto es que merece la pena superar esos prejuicios y darle una oportunidad a una historia que no decepciona.

La película se desarrolla en la Italia de los años sesenta, pero se entiende en cualquier parte del mundo. La lucha del patrón con los obreros, la mafia interna dentro de todo tipo de movimientos políticos, el terrorismo callejero... Todos ellos son temas comunes en la historia (y presente) de la mayoría de países del “primer” mundo, y todos son retratados con una cierta distancia y algo de buena ironía, que hacen que, entre otras cosas, el espectador sea capaz de reír incluso con las aventuras de un joven que empieza a tontear con la violencia callejera emprendida por la extrema derecha.

Es precisamente ese personaje el motor de la película y el que más simpatías despierta. Gracias a su inocencia y al corazón que pone en cada una de sus acciones, somos testigos de que todas y cada una de las opciones políticas y/o revolucionarias tienen vergüenzas que esconder, independientemente del signo ideológico.

Lo mejor de todo es el mensaje que transmite la película a su fin. El amor entre familiares y amigos siempre debe prevalecer por encima de líderes, banderas y demás símbolos políticos, por mucho que algunos pierdan la perspectiva y acaben sacralizando a estos últimos.

ABOGADO
Sin duda, lo mejor de la película es su tono. Una forma liviana, con algún que otro toque de humor, de contar una historia de posguerra, y no con la intensidad y dramatismo que suelen acompañar a este tipo de relatos. El espectador lo agradece, y mucho.

FISCAL
Si hubiese durado quince minutos menos no hubiese pasado nada.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Mi hermano es hijo único...
No lamentarás en absoluto entrar a verla.

jueves, 6 de diciembre de 2007

[REC]

[REC]
Directores: Jaume Balagueró, Paco Plaza
Reparto: Manuela Velasco, Ferrán Terraza, Jorge Serrano...
España – 2007

ARGUMENTO
Una reportera y un cámara de televisión realizan un reportaje acompañando a un equipo de bomberos durante toda la noche. En plena madrugada, el cuerpo recibe una llamada para acudir a un bloque de viviendas en el que se han escuchado gritos. Cuando llegan al lugar, la cámara de televisión es testigo de un extraño incidente: Una abuela ensangrentada intenta agredir a policías y bomberos con una fuerza sobrehumana. Algo muy extraño se oculta detrás de tan grotesca escena.

CRÍTICA
Si el objetivo era que el espectador pasara miedo, [REC] es un éxito rotundo. Independientemente de la resistencia de cada uno a los sustos, la película consigue su propósito de generar tensión de principio a fin (con algún altibajo más largo de lo deseable). Y todo ello con una producción alejada de los grandes presupuestos, que no hace sino demostrar una vez más que no es necesario invertir demasiado dinero para que una película resulte rentable y a la vez aceptable.

En cambio, si lo que se pretendía era innovar en el género de terror más allá del cine de nuestras fronteras, el mérito artístico de la película pierde bastantes puntos. Básicamente porque [REC] es una mezcla más que evidente de La noche de los muertos vivientes, El proyecto de la Bruja de Blair y, en parte, también de La comunidad de Alex de la Iglesia.

Estas flagrantes influencias son además el germen del éxito de la película. La bruja de Blair triunfó porque mezclaba la realidad con la ficción. De la misma forma, en [REC] la cámara en mano y el formato vídeo hacen sentir a uno más cercano a esa ficción a la que el fotograma de toda la vida otorga solemnidad, pero también una parte de mentira y de recreación.

En resumen, una vez más nadie va a ver nada que no haya visto antes (salvo que no conozca las películas anteriormente comentadas), pero aún así el recurso funciona para dar por bien invertido el dinero de la entrada, siempre que solo se pretenda pasar miedo durante poco más de una hora y cuarto.

ABOGADO
La película ha sabido beber de influencias tan comerciales como efectivas. Con ello ha conseguido pasar a formar parte de ese grupo de películas que engordan su fama por sacar a la gente del cine a mitad de la proyección. Las herramientas son un poco tramposas (la mitad de la gente que abandone las salas lo harán por el mareo que genera la cámara en mano), pero todo vale para levantar la taquilla del cine español.

FISCAL
Por mucho que le guste a muchos, utilizar a los zombies para dar miedo en una película empieza a resultar demasiado fácil y escatológico. Todo se reduce a vísceras, sangre y muertos que se van mordiendo los unos a los otros. Ni más ni menos. Particularmente, me dan más miedo los espíritus.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo [REC]...
Ningún amante del género se la puede perder.

jueves, 29 de noviembre de 2007

La habitación de Fermat

LA HABITACIÓN DE FERMAT
Directores: Luis Piedrahita y Enrique Sopeña
Reparto: Lluís Homar, Santi Millán, Federico Luppi...
España – 2007

ARGUMENTO
Cuatro matemáticos reciben una extraña invitación para reunirse en un lugar alejado de la civilización, y discutir allí sobre el mayor enigma matemático jamás planteado. Cuando tiene lugar el encuentro, Fermat, el presunto anfitrión, recibe una llamada que le obliga a ausentarse. Tras su marcha, los cuatro invitados quedan encerrados en una habitación que empieza a menguar poco a poco.

CRÍTICA
La habitación de Fermat es el título con el que debutan como realizadores Luis Piedrahita (uno de los mejores monologuistas españoles) y Rodrigo Sopeña. Es, por tanto, una opera prima y lo parece... en el sentido positivo. Es decir, se agradece la apuesta por el entretenimiento, con un estilo ágil y directo, y sin más pretensiones que hacer pasar un buen rato a los espectadores.

Para ello, la película tiene un toque interactivo que atrapa la atención del público y le hace ver la película de una forma más participativa, con los pequeños juegos de lógica que se van planteando de forma periódica. Lo complicado es intentar buscar una solución a esos pasatiempos en tiempo real, mientras la trama evoluciona, pero el recurso funciona y la película se hace aún más corta de lo que ya es.

También es cierto que los debutantes Piedrahita y Sopeña lo han tenido un poco más fácil al poder contar con el plantel de actores que protagoniza la película, especialmente con el muy de moda Lluís Homar (principal aliciente de la televisiva Gominolas), que destaca sobre el resto. Un lujo interpretativo al alcance de muy pocos, que los directores se han ganado al haber apostado por la sencillez y el carácter lúdico del séptimo arte.

ABOGADO
La película recuerda a las primeras partes de títulos como Saw o Cube. Ambas, películas con sus seguidores y sus detractores, pero con un gran mérito incuestionable: no se hacen especialmente largas a pesar de estar rodadas en su mayor parte en pequeños habitáculos. La habitación de Fermat merece también ese reconocimiento.

FISCAL
No es cine especialmente brillante o profundo, simplemente entretenimiento puro y duro. Por eso se hace más digerible que el producto medio español, y tal vez también por eso se olvidará antes que otras.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo La habitación de Fermat...
¿Por qué no ir a verla? Entretenida, se ve muy fácil, se hace corta... y encima es española.

miércoles, 14 de noviembre de 2007

Leones por corderos

LEONES POR CORDEROS (LIONS FOR LAMBS)
Director: Robert Redford
Reparto: Mery Streep, Tom Cruise, Robert Redford...
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Tres historias tienen lugar al mismo tiempo en varios lugares del mundo. En el senado de Estados Unidos, un senador intenta convencer a una periodista sobre la necesidad de un nuevo ataque sobre Afganistán. En una universidad, un catedrático anima a un alumno aventajado para que utilice su espíritu reivindicativo en la lucha contra la política militar americana. Por último, dos soldados de EEUU caen de su avión en pleno ataque sobre fuerzas enemigas y tienen que esperar un rescate que nunca acaba de llegar.

CRÍTICA
La última película de Robert Redford es un relato dividido que muestra tres puntos de vista diferentes en torno a la guerra de Afganistán y la política exterior de EEUU. La película es digna de alabar por el mensaje que traslada al espectador, animándole a protestar ante el escaso poder que tienen los ciudadanos cuando sus mandatarios se empeñan en prolongar indefinidamente conflictos, en los que cada día pierden la vida soldados de todos los frentes, sin que nadie conozca el verdadero motivo de tanta guerra.

El personaje de Robert Redford actúa como conciencia de la historia, y de su boca salen la mayoría de las muchas sentencias con las que Leones por corderos pretende sentar cátedra. De todas ellas, la más profunda es la referente al carpe diem y la llegada de la etapa adulta a la vida de los jóvenes. En palabras de ese personaje "uno se hace mayor antes incluso de saberlo, y cuando te das cuenta ya has tomado varias decisiones importantes que hacen que ya sea demasiado tarde para volver atrás".

Dicho esto, el principal problema de Leones por corderos, aparte de ser un producto especialmente dedicado a los norteamericanos, es que los mensajes de sus historias son mejores que la película en sí. La media hora que abarca cada uno de los relatos bien podría haberse resumido en poco más de quince minutos, con lo cuál resulta sencillo calcular el tiempo de buenas intenciones que le sobra a la película.

ABOGADO
Basta con echar un vistazo al reparto de la película para saber qué es lo más destacado.

FISCAL
La película no acaba de avanzar. Cada vez que vuelven a escena cada una de las historias entrelazadas da la sensación de que nada ha cambiado con respecto a lo que hemos visto antes. El guión da demasiadas vueltas sobre asuntos que no tienen tanto recorrido.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Leones por corderos...
No pasa nada si no entras a verla. Hay muchas cosas interesantes ahora mismo en cartelera.

domingo, 11 de noviembre de 2007

El sueño de Casandra

EL SUEÑO DE CASANDRA (CASSANDRA´S DREAM)
Director: Woody Allen
Reparto: Colin Farrell, Ewan McGregor, Tom Wilkinson...
EEUU / Reino Unido – 2007

ARGUMENTO
Ian y Terry son dos hermanos que pasan por apuros económicos. El primero quiere hacerse pasar por una persona de alto poder adquisitivo para poder conquistar a una hermosa actriz. Por su parte, Terry ha perdido mucho dinero jugando a las cartas, y tiene a los prestamistas reclamando su deuda. Los dos hermanos deciden pedir dinero a su tío Howard, un hombre de negocios que acepta ayudarles, pero que a cambio pide a sus sobrinos llevar a cabo un asunto que va mucho más allá de lo que los hermanos habrían podido imaginar.

CRÍTICA
Si uno lee las críticas que han acompañado al estreno de El sueño de Casandra, poco menos que espera ver un nuevo Caótica Ana (por poner algún ejemplo de cine de autor francamente decepcionante y comentado en este blog). Se ha acusado a la película de excesiva lentitud, de no ir más allá de temas tratados una y otra vez en el cine, y de no ser sino una muestra del principio de la decadencia de Woody Allen (Annie Hall). La cuestión es, si esta es una película que ejemplifica ese crepúsculo, ¿qué se podría decir de las obras de tantísimos directores a lo largo de cada año cinematográfico?

Tal vez la mejor réplica que se puede dar ante tanta crítica gratuita es que, si esta es una mala película de Woody Allen, lo “peor” del director neoyorkino está por encima de lo “bueno” o lo “mejor" del resto, porque a buen seguro que más del ochenta por ciento de realizadores contemporáneos habrían aceptado gustosos el firmar una película como El sueño de Casandra.

Es cierto que la historia no es especialmente original, pero también lo es que Allen sabe cómo caminar por esos lugares comunes sin caer en la redundancia. La película es la historia de gente normal que se mezcla en el mundo del crimen de forma no premeditada, y el director retrata los acontecimientos con su habitual estilo frío y distante, sin ningún tipo de alardes cinematográficos, con total confianza en la fuerza de su guión y en el talento de los grandes actores que nunca dudan en rebajar su caché para trabajar con él.

Este tipo de películas ejemplifican que el cine es, sobre todo, una buena historia y unas buenas interpretaciones. En El sueño de Casandra se han juntado Colin Farell e Ewan McGregor (gran pareja interpretativa, con especial mención al primero de ellos), y al otro lado de las cámaras y de la página en blanco un guionista que ha sido nominado al Oscar en más de diez ocasiones en esa categoría. Por algo será.

ABOGADO
Lo mejor de la película es la tensión que transmite durante sus dos primeros actos. El espectador se identifica de lleno con esos hermanos inexpertos a los que no les queda más opción que cometer un crimen. El proceso no puede ser más directo ni funcionar mejor.

FISCAL
La historia merecía un final menos precipitado. La película lleva un ritmo firme y constante hasta sus últimos diez minutos, en los que todo se resuelve de forma fortuita. Final facilón que no está a la altura del resto.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo El sueño de Casandra...
Todas las películas de Woody Allen son recomendables. Esta no es una excepción.

viernes, 26 de octubre de 2007

El orfanato

EL ORFANATO
Director: Juan Antonio Bayona
Reparto: Belén Rueda, Fernando Cayo, Geraldine Chaplin...
España / México – 2007

ARGUMENTO
Laura regresa con su familia al orfanato en el que vivió durante su infancia. Su objetivo es restaurar el lugar y abrir una residencia especial para acoger a niños discapacitados. Una vez allí, su hijo pequeño entabla contacto con unos misteriosos amigos imaginarios, que empiezan a desvelarle oscuros secretos sobre su familia y sobre lo ocurrido en el orfanato años atrás.

CRÍTICA
Es evidente que Guillermo del Toro (productor de El orfanato) sabe lo que quiere ver la gente cuando va a una sala de cine. Lo demostró con su última película, la varias veces galardonada El laberinto del fauno, y lo vuelve a demostrar con esta historia de terror. Una película a la que se le puede reprochar una cierta falta de autenticidad, pero que cumple de sobra a la hora de amortizar la entrada de todos aquellos que disfrutamos en el cine cuando nos hacen pasar un mal rato.

El orfanato parece una hermana pequeña de Los otros, e igual que el parecido es motivo de reproche, también lo es de reconocimiento positivo, ya que la película consigue, como su antecesora, generar un clima de tensión en la sala como pocas lo hacen hoy en día. Para ello apuesta por la intriga como vehículo para atrapar al espectador, lo cuál es de agradecer, en unos tiempos en los que predomina el susto fácil a golpe de sonido.

Lo que está claro es que la industria española necesita muchas películas como El orfanato y de forma urgente. Así que habrá que perder los complejos, porque en Hollywood tienen la industria más potente y copian más que nadie. Ellos hubiesen firmado haber hecho una película de esta factura, y con una actriz como Belén Rueda, que está más que digna como protagonista. Que alguien tome nota.

ABOGADO
Lo mejor de la película es también lo peor. Nadie va a ver en pantalla nada que no haya visto antes, pero todos los recursos que funcionaron antes, también funcionan en El orfanato. Puestos a copiar, lo mejor es copiar a los mejores. Y por cierto, lo de taparle la cara a un niño con una máscara tan grotesca no puede ser ni más fácil ni más efectivo.

FISCAL
Lo peor coincide con el párrafo anterior, aunque también se echa de menos un final algo más potente y efectivo, como esos al que nos acostumbraron títulos como El sexto sentido o Los otros.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo El orfanato...
Si disfrutas con el genero de terror, la película es imprescindible.

jueves, 18 de octubre de 2007

Siete mesas (de billar francés)

SIETE MESAS (DE BILLAR FRANCÉS)
Director: Gracia Querejeta
Reparto: Maribel Verdú, Blanca Portillo, Amparo Baró...
España – 2007

ARGUMENTO
Ángela y su hijo pequeño viajan a Madrid ante la inminente muerte de su padre, un hombre que regenta un local de mesas de billar. En pocos días se suceden los acontecimientos. El padre de Ángela fallece dejando el negocio casi arruinado, mientras que ésta descubre que su marido le ha sido infiel durante los últimos años. En mitad de una grave crisis existencial, la protagonista decide tomar las riendas del local de billar e iniciar una nueva vida.

CRÍTICA
Siete mesas (de billar francés) parece poner el punto de partida a los títulos que conformarán el conjunto de nominaciones a los Goya del año 2008. La película huele, sobre todo, a premios de interpretación, y del elenco de actores destacan y mucho las mujeres, con un sensacional duelo interpretativo entre una actriz que mejora con los años (Maribel Verdú), y la polifacética y brillante a partes iguales Blanca Portillo.

En cuanto al argumento, decir que no destaca especialmente por su originalidad. El melodrama que mantienen los personajes femeninos está algo visto, por eso la película mejora y se hace más digerible con la faceta cómica que introducen los hombres que conforman el equipo de billar. Un grupo de jugadores que, salvando las distancias, recuerdan a los de esas películas americanas en las que unos perdedores tratan de conquistar un título que está fuera de su alcance. Eso sí, en esta película lo de menos es el resultado final de ese equipo.

Y la verdad es que no hay mucho más que contar. La película se ve bien, pero tal vez se olvida más rápido de lo deseable. Sube la media de la producción nacional, pero el cincuenta por ciento del precio de la entrada debería reembolsarse directamente la bolsillo de los actores.

ABOGADO
Como mínimo le caerán cinco nominaciones a los Goya.

FISCAL
Han pasado apenas ocho días desde que salí del cine, y ya he olvidado los motivos que me hicieron disfrutar la película.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Siete mesas (de billar francés)...
Es una película agradecida, sin más.

martes, 9 de octubre de 2007

Promesas del Este

PROMESAS DEL ESTE (EASTERN PROMISES)
Director: David Cronenberg
Reparto: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel
EEUU / Reino Unido / Canadá – 2007

ARGUMENTO
Una adolescente fallece después de dar a luz a una niña. Después de la muerte, una comadrona del hospital descubre un diario entre los objetos personales de la joven, en el que se relatan las circunstancias que rodearon a su embarazo y fatal destino. Todo parece conducir a la mafia rusa que actúa en Londres.

CRÍTICA
Podría haber sido la película del año, pero se quedó en el camino. Concretamente a unos veinte minutos del metraje que falta para cumplir con las muchas y grandes expectativas planteadas. No es que Promesas del este se haga corta, es que no está rematada, y sobre todo se echa de menos un clímax en condiciones y a la altura de todo lo mostrado previamente. Por eso da tanta rabia la llegada del fundido final.

Hasta entonces, Promesas del este es una película brillante, que bebe del mejor cine de mafia, solo que en lugar de centrarse en el tantas veces filmado modelo ítaloamericano, acude al más desconocido, pero igual de temible, crimen organizado ruso. Y para ello, David Cronenberg (Una historia de violencia) apuesta por un estilo directo y salvaje en ocasiones, que no hace sino acentuar los terribles métodos de los miembros de ese grupo.

Y la elección de casting para interpretar a esos hombres no ha podido más acertada. Naomi Watts está como siempre, aunque brilla menos que sus compañeros de reparto. Porque el europeo Vincent Cassel hace el papel de su vida como hijo mimado del jefe de la mafia, gracias, sobre todo, a un rostro tan característico que ya resulta infame de por sí.

Pero si hay un actor que destaca sobre todos los demás, ese es un extraordinario Viggo Mortensen, interpretando al chofer de la familia, en un papel con sobrado potencial para ganar todos los premios cinematográficos del año. Y como muestra de ello queda la escena de la sauna, en la que mantiene una violenta pelea tal y como su madre le trajo al mundo. Pocos artistas en el mundo habrían aceptado rodar una escena así, y solo un actor como él es capaz de convertirse en el principal activo de una película casi perfecta.

ABOGADO
Es una película para disfrutar, especialmente si no se tiene demasiada aprensión a ese tipo de escenas en las que la sangre en primer plano se convierte en protagonista. De lo mejor en cine negro contemporáneo.

FISCAL
El final, sencillamente, no se corresponde con todo lo que nos cuentan los dos primeros actos de película. Quedan preguntas en el aire y molesta irse a casa sin esas respuestas. Es lo más parecido a un coitus interruptus.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Promesas del este...
Hay que verla, a pesar de todo. El final deja frío, pero en conjunto queda muy buen recuerdo.

jueves, 4 de octubre de 2007

La extraña que hay en ti

LA EXTRAÑA QUE HAY EN TI (THE BRAVE ONE)
Director: Neil Jordan
Reparto: Jodie Foster, Terrence Howard, Nicky Katt…
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Una locutora de radio ve como un día su vida se derrumba cuando un grupo de delincuentes la asaltan en mitad de un parque, y acaban con la vida de su prometido. Recuperada del accidente, y después de contemplar como la policía no hace demasiado por resolver el caso, empieza a tomarse la justicia por su cuenta.

CRÍTICA
Jodie Foster es de las pocas actrices de Hollywood cuya presencia en una película, además de garantizar un buen resultado en la taquilla, suele ser síntoma de buena calidad. Con La extraña que hay en ti no se confirma del todo este segundo punto. Se trata de una película con una temática muy interesante y un buen (aunque poco original) planteamiento que, sin embargo, no acaban de ser suficientes para que la película apenas supere el adjetivo de “entretenidilla...” y poco más.

Uno de los principales lastres de La extraña que hay en ti es su ritmo, demasiado lento para ser un thriller. Algo a lo que contribuyen los eternos monólogos del personaje de Jodie Foster, una locutora de radio que un poco al estilo de Jesús Quintero comenta la degradación en la que ve sumergirse a la ciudad de Nueva York. De hecho, la imagen que deja la ciudad norteamericana al final de la película no puede ser más preocupante, sobre todo en lo que respecta a la delincuencia que hay en el lugar.

De esta forma, el ritmo, los numerosos altibajos de la historia y un final algo más que predecible hacen de la película un producto que no va mucho más allá de cualquiera de esas historias que vemos los fines de semana en la sobremesa. Eso sí, en ninguna de esas películas aparece Jodie Foster, y una actriz así hace que la diferencia entre ésta y esas otras películas parezca mayor de lo que realmente es.

ABOGADO
El sugerente y complejo título de la película resume un tema del que se podría haber sacado mucho más, pero que también resulta suficiente para levantar una historia y hacer reflexionar al espectador. ¿Qué pasaría si nos quitan lo que más queremos y nadie hace nada a nuestro alrededor para solucionarlo? ¿Cómo será el extraño que guardamos dentro de cada uno de nosotros? Ojalá nunca tengamos que experimentarlo más allá de la ficción.

FISCAL
La película decepciona porque hemos visto cosas mejores en general. El director, Neil Jordan, no es el de Juego de Lágrimas. Jodie Foster tampoco es la Clarice Starling de El silencio de los corderos, o al menos la sufrida protagonista de La habitación del pánico. Y el argumento, si no mejor, sí lo hemos visto tal cuál varias veces en televisión.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo La extraña que hay en ti...
La película es solo entretenida, e incluso habrá quien se aburra. Hay cosas mejores en cartelera.

viernes, 28 de septiembre de 2007

Tocar el cielo

TOCAR EL CIELO
Director: Marcos Carnevale
Reparto: Chete Lera, Betiana Blum, Raúl Arévalo…
España / Argentina – 2007

ARGUMENTO
Varios personajes viven su día a día en Madrid y Argentina: Un cincuentón liberal al que le gustan las jovencitas. Su hijo, con el que no mantiene una buena relación. Su mejor amiga, con el síndrome de eterna adolescente. Y al otro lado del océano, una extraña pareja formada por una mujer soltera y su amigo vividor, fingen un matrimonio para poder adoptar un niño.

CRÍTICA
Después de nueves meses tan grises como los que lleva el cine español en 2007, resulta incomprensible que una película como Tocar el cielo pueda pasar casi desapercibida. Y más, tratándose de una historia en la misma línea amable de títulos como El hijo de la novia, por muy complicado que sea alcanzar el nivel de esta última.

Tocar el cielo es una historia de personajes. Todos ellos con un punto estrafalario con el que cuesta conectar en un principio, pero que acaban conquistando al espectador y consiguiendo su total empatía pasados unos minutos. De esta forma, la película, sencilla a más no poder, vuelve a demostrar que basta un buen guión y unas buenas interpretaciones para que una historia funcione.

Otro punto a favor de la película es que se contempla en su mayor parte con una sonrisa, aunque ésta tenga que lidiar con alguna trama de esas que recuerdan que la vida no es un camino de rosas, por mucho que uno entre al cine a tratar de olvidarlo. Aún así, visto lo visto y por méritos propios, Tocar el cielo tiene muchísimo potencial para dejar satisfechos, y con muy buen sabor de boca, a todo tipo de paladares cinematográficos.

ABOGADO
Cuando coges tanto cariño a unos personajes que solo conoces en apenas hora y media de película, es porque las cosas están muy bien hechas y la historia muy bien contada.

FISCAL
Se tarda un poco más de lo deseable en entrar y coger el punto a la película.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Tocar el cielo...
Es una gran oportunidad para reconciliarse con el cine español. Pero hay que darse prisa, porque no va a durar demasiado en cartelera.

domingo, 23 de septiembre de 2007

La jungla 4.0

LA JUNGLA 4.0 (LIVE FREE OR DIE HARD)
Director: Len Wiseman
Reparto: Bruce Willis, Timothy Olyphant, Justin Long...
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Un grupo de terroristas destruye el sistema de telecomunicaciones de Estados Unidos. Su objetivo es sumir a la población en un “caos total”, para así poder manejar a su antojo todas y cada una de las instituciones del país. Un plan perfecto que, sin embargo, no contaba con la presencia de John McClane, un veterano policía de Nueva York que se enfrentará a los delincuentes con la ayuda de un joven hacker informático.

CRÍTICA
Casi veinte años después del estreno de La jungla de cristal, una de las mejores películas de acción de los ochenta, llega a las salas la esperada cuarta parte de la saga. Una nueva entrega de las aventuras del gran policía John McClane (ojalá todos los héroes de acción fuesen como él), dominada por argumentos típicos del nuevo siglo como el terrorismo informático, que a la vez sirven de excusa para explotar la chulería y el sentido del humor del protagonista, al sentirse éste como un veterano pez fuera del agua.

Hay un consenso generalizado en torno a La jungla de cristal según el cuál la primera parte es, de largo, la mejor de todas, mientras que la segunda es la peor con diferencia. La jungla 4.0 llega para competir con su predecesora (Jungla de cristal: la venganza) por la lucha del segundo mejor puesto de la saga. Es muy posible que en esa lucha desaparezca el consenso y la audiencia se divida.

En este sentido, la principal arma con que cuenta La jungla 4.0 es la exageración. Sin duda alguna, es la película más fantasma de todas, y como muestra de ello basta decir que el personaje interpretado por Willis lucha, entre otros, contra un avión de combate. Pero no solo eso, la película es un torrente de acción continuado y un derroche de presupuesto para gloria de su protagonista, y disfrute de los amantes del cine de acción made in EEUU.

ABOGADO
Teniendo en cuenta que es una cuarta parte, la película es más que digna. Los fans de John McClane saldrán del cine satisfechos con lo que han visto, y eso que Bruce Willis ha cumplido ya los 52 años.

FISCAL
Es cine puramente comercial. Para disfrutar con palomitas y sin darle mucho uso al cerebro. Por eso hay un abismo entre La jungla 4.0 y la mucho más inteligente El ultimátum de Bourne, también en cartelera.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo La jungla 4.0...
Es imprescindible para los que disfrutaron con las entregas anteriores de La jungla de cristal. Bruce Willis vuelve a ser el que era.

jueves, 13 de septiembre de 2007

Grindhouse: Death Proof

GRINDHOUSE: DEATH PROOF
Director: Quentin Tarantino
Reparto: Kurt Russell, Rosario Dawson, Sydney Tamiia Poitier…
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Stuntman Mike es un antiguo especialista de cine que conduce un extraño vehículo a prueba de todo tipo de accidentes. Sin motivo aparente, se dedica a viajar sin rumbo fijo para entablar contacto con grupos de chicas y después envestirlas con su coche en plena carretera.

CRÍTICA
Con Death Proof (segunda parte del proyecto Grindhouse), Quentin Tarantino es capaz de lo peor y de lo mejor. La película parece un paréntesis en la filmografía del realizador, quien en compañía de Robert Rodríguez ha llevado a cabo un experimento en el que ambos directores se han tomado varias licencias sin complejo alguno, con la intención de desvincularse de cualquier convencionalismo contemporáneo.

En Death Proof los famosos diálogos de Tarantino se prolongan exageradamente, dando lugar a escenas demasiado largas y con menos notas cómicas de lo acostumbrado. Por otra parte, la película está protagonizada casi exclusivamente por mujeres, lo que convierte a la historia en una especie de fantasía erótica del director, que pone en las bocas de los personajes femeninos todas las palabras que le gustaría escuchar, y una actitud siempre erótica más cercana a la caricatura que a cualquier otra cosa.

En el lado positivo, Tarantino vuelve a demostrar por qué es considerado uno de los directores con más talento del panorama actual. Y como muestra de ello deja todas y cada una de las escenas desarrolladas en la carretera, en las que Kurt Russell y su vehículo indestructible son los máximos protagonistas.

Las escenas en cuestión tienen toda la espectacularidad de cualquier mega producción hollywoodiense, y a la vez toda la fuerza y el impacto visual que se puede esperar del director de Pulp Fiction. Destaca sobre el resto la impecable secuencia de acción protagonizada por la actriz - especialista Zoe Bell, en la que asistimos a un trepidante duelo de coches, con Bell cabalgando sobre el capó de uno de los vehículos.

Para muchos solo esas escenas justificarán el precio de la entrada, porque además la película acaba en pleno apogeo argumental, dejando muy buen sabor de boca. Otros, en cambio, empezarán a bostezar con las eternas escenas que hay entre las secuencias de carretera. Como en muchas ocasiones, todo dependerá de las pretensiones que uno lleve y de lo que crea que va a ver en pantalla.

ABOGADO
Death Proof es mejor película que Planet Terror. Menos graciosa y paródica, pero con varios momentos que ya son imprescindibles dentro de la filmografía de su director... Y estamos hablando de Tarantino.

FISCAL
La historia es una mera excusa para introducir las secuencias de coches. Por mucho que merezca la pena ver a Kurt Russell en acción, el tiempo de espera es demasiado largo, y en ocasiones aburrido.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Death Proof...
Ve a verla si te va Tarantino y estás dispuesto/a a ser friki por un día.

jueves, 6 de septiembre de 2007

Amor y otros desastres

AMOR Y OTROS DESASTRES (LOVE AND OTHER DISASTERS)
Director: Alek Keshishian
Reparto: Brittany Murphy, Matthew Rhys, Catherine Tate
EEUU / Francia / Reino Unido – 2006

ARGUMENTO
Emily Jackson trabaja en el mundo de la moda, y comparte piso con un amigo gay, al que trata por todos los medios de emparejar con alguien. A su vez, mantiene una relación meramente sexual con ex pareja, mientras un compañero de trabajo, al que Emily cree homosexual, empieza a enamorarse de ella.

CRÍTICA
Si hay algo que agradecerle a Amor y otros desastres es que no se ha conformado con ser una comedia romántica más. Para ello, el creador de la película ha concebido la misma como un borrador de guión que se va escribiendo sobre la marcha, introduciendo diversos y agradecidos guiños para mostrar su proceso de creación, y hacer así más llevaderas las más o menos típicas historias de amor que se mezclan en el largometraje.

Otro aspecto a destacar de la misma es el fabuloso ritmo que mantiene de inicio a fin. Para ello, el director se ha servido de todo tipo de recursos para unir con máximo dinamismo todas las escenas entre sí, consiguiendo que la película se les haga aún más corta a los amantes del género y no tan larga a los que entren obligados a la sala.

En el lado negativo, encontramos los tópicos que se repiten una y otra vez en el cine romántico cuando nos hablan de relaciones personales, ya sean heterosexuales u homosexuales. Es decir, finales edulcorados, mujeres muy independientes que lo dejan todo por un tío atractivo, enredos varios y demás elementos paradigmáticos que cualquiera pueda imaginar.

ABOGADO
La película tiene los suficientes alicientes como para que muchos la consideren una buena comedia romántica. Es original, tiene sentido del humor con sabor inglés, y se ríe del género cinematográfico al que pertenece. El ejemplo más ilustrativo de todos sus activos es la escena con el cameo de los actores Gwyneth Paltrow y Orlando Bloom.

FISCAL
La película también da motivos, en cuanto alguien se ponga un poco más exigente de lo normal, para pensar que no se ha visto nada nuevo ni especialmente destacable.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Amor y otros desastres...
Ni frío, ni calor, ni todo lo contrario.

sábado, 25 de agosto de 2007

Caótica Ana

CAÓTICA ANA
Director: Julio Medem
Reparto: Manuela Vellés, Nicolas Cazalé, Bebe...
España – 2007

ARGUMENTO
Ana es una jovencísima artista que vive con su padre en una cueva de Ibiza. Una mecenas se interesa por su obra e invita a la chica a Madrid, para que allí pueda tomar clases y dar rienda suelta a su talento en compañía de otros artistas. En la capital Ana encontrará el amor en los brazos de Said, un joven pintor de origen saharaui. Todo cambia el día que Ana, tras someterse a una sesión de hipnosis, descubre que es la reencarnación de varias mujeres que gozaron de gran poder en vidas pasadas.

CRÍTICA
Desgraciadamente, el cine español tampoco puede contar este año con la última y esperada película de Julio Medem, para elevar el pobre nivel de calidad de la producción nacional. Lejos de eso, Caótica Ana es una de las obras más personales e inaccesibles del realizador. Una película grotesca en ocasiones, predecible en otras, y que, en general, se acerca demasiado a lo que vulgarmente se conoce como una paja mental.

El fallido caos que propone Medem se hace especialmente notable en la parte final de la película, cuando la acción se desplaza (sin demasiada lógica argumental) hacia Nueva York. Es en esa larga fase final donde se hace más evidente el exceso de pretensiones del realizador, que intenta en una sola película rendir homenaje a su hermana (fallecida años atrás), romper una lanza a favor del género femenino, y a la vez otra en contra de los hombres malvados que abundan en el planeta, y por último lanzar un grito de protesta contra varios de los numerosos conflictos armados que tienen lugar en el mundo a día de hoy.

Lo más destacado de la película es el talento del realizador para transmitir emociones con las imágenes y con la bellísima banda sonora. Una capacidad indiscutible que hace más digerible una historia y unos personajes sin demasiado gancho, y que, sobre todo, disimula durante la proyección el amargo sabor que deja la película en el recuerdo.

ABOGADO
Aún siendo una obra menor de su director, el famoso universo Medem deja varias perlas para el disfrute del espectador. La más destacada es la preciosa relación que hay entre la protagonista y su padre, que da lugar en el reencuentro entre ambos, con música en directo de Antonio Vega, a la mejor y más emocionante escena de la película.

FISCAL
La película está muy alejada de otros títulos como Los amantes del círculo polar o Lucía y el sexo, que convirtieron a Medem en uno de los directores más prestigiosos de nuestro país. Tiene todas las papeletas para fracasar en taquilla.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Caótica Ana...
No es una película recomendable, ni siquiera para los muy fans del realizador.

miércoles, 22 de agosto de 2007

Grindhouse: Planet Terror

GRINDHOUSE: PLANET TERROR
Director: Robert Rodríguez
Reparto: Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Josh Brolin...
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Una extraña enfermedad se convierte en la pesadilla de una pequeña localidad de Estados Unidos. Los infectados se convierten en zombies que buscan cuerpos sanos para alimentarse. Un grupo de hombres y mujeres del lugar sobrevivirán a la epidemia, y tratarán de defenderse del ataque masivo de los muertos vivientes.

CRÍTICA
A falta de estrenarse la película Death Proof en nuestro país, Planet Terror justifica de momento por qué tuvo tan poco éxito en la taquilla estadounidense el proyecto cinematográfico Grindhouse: un programa doble dirigido por Quentin Tarantino y Robert Rodríguez, con el que ambos realizadores pretendían homenajear al cine de serie B que tanto influyó en sus respectivas filmografías.

En concreto, Planet Terror parece un producto más pensado para el entretenimiento y disfrute de su propio director (Robert Rodríguez), que para el del público en general. Una especie de remake de todas las películas que marcaron la adolescencia del director, y que como producto final recuerda mucho a esas malas historias que se emiten más allá de las cuatro de la madrugada, y que nunca nos quedaríamos a ver. De hecho, nadie habría ido a ver una película como Planet Terror si no fuese de Robert Rodríguez.

Sin embargo, hay que reconocerle al director su mérito por conseguir que mucha gente no vaya a salir del cine tan enfadada como cabría pensar. Y es que el tono de parodia de la película, que empieza por reírse de sí misma, atenúa el impacto que muchos tendrán al ver un producto así en el año 2007. Efectos de maquillaje voluntariamente cutres, fotogramas quemados que ponen fin a las escenas, o unos títulos de crédito a la antigua usanza, son algunos de los divertidos guiños que suavizan, en parte, el amargo sabor que deja la película a su fin.

Por último, y al margen de la historia que nos cuentan en Planet Terror, hay que destacar el extraordinario talento de directores como Rodríguez y Tarantino para crear iconos cinematográficos. Sin ir más lejos, el llamativo cartel de la película con la mujer de la pierna – metralleta es una de las imágenes más impactantes de la cartelera veraniega. Lástima que la película no esté a la altura.

ABOGADO
Aunque parezca llamativo, una de las partes más divertidas de la película es Machete, el falso trailer de una película inexistente que sirve de telonero a Planet Terror. A lo mejor, era suficiente con un trailer así para homenajear a la serie B.

FISCAL
Grindhouse no deja de ser un experimento, una broma de dos directores con el dinero suficiente como para costearse un producto de autoconsumo, que debe costar el doble de dinero que la mayoría de películas españolas.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Planet Terror...
¿Por qué pagar por ver en el cine una película que nunca verías en otro lugar?

lunes, 20 de agosto de 2007

El ultimátum de Bourne

EL ULTIMÁTUM DE BOURNE (THE BOURNE ULTIMATUM)
Director: Paul Greengrass
Reparto: Matt Damon, Joan Allen, David Strathairn
EEUU – 2007

ARGUMENTO
La CIA quiere acabar con la vida de Jason Bourne, ya que el agente no es sino una prueba viva de la existencia de un programa proscrito por el gobierno, cuyo objetivo es llevar a cabo acciones ilegales. Además de luchar por su supervivencia, Bourne tratará por todos los medios de averiguar la verdad sobre su pasado: cómo entró en la organización y por qué se convirtió en una despiadada máquina de matar. Para ello, buscará a los culpables de su situación por las calles de Moscú, París, Londres, Madrid, Tánger y Nueva York.

CRÍTICA
El ultimátum de Bourne es un claro ejemplo de por qué el género de acción no tiene por qué estar reñido con la calidad cinematográfica. Y lo demuestra porque su director, el británico Paul Greengrass (United 93), da una clase magistral de realización audiovisual (muy influenciada por el ritmo televisivo de series como 24), y a su vez ofrece un producto que no puede resultar más trepidante de principio a fin.

Ésta es una de esas películas que solo podrían hacerse con capital estadounidense, un auténtico dineral que no puede estar mejor invertido para la ocasión. No solo para pagar a un enorme Matt Damon, sino también para costear las varias y espectaculares escenas de acción y persecución que tiene la película. Todas ellas grandes secuencias rodadas en varias ciudades del mundo (entre ellas Madrid), que, por si fuera poco, mantienen una buena amistad con la inteligencia del espectador.

En el lado negativo se le podrían reprochar a la película ciertos ramalazos propios de su género (como la leve cojera que tiene el protagonista después de caer con su coche varios pisos de altura, y empotrarse a continuación contra un camión), o los pequeños y típicos fallos de guión que muchos encontrarán durante la historia.

Aún así, visto lo visto últimamente (dentro del género y, en general, con todo el cine de Estados Unidos), es innegable que El ultimátum de Bourne destaca y mucho con respecto a lo que estamos acostumbrados a ver hoy en día. Es entretenimiento puro y duro, pero entretenimiento del bueno. Cine para ver y disfrutar en pantalla grande.

ABOGADO
Aún siendo una película de género, El ultimátum de Bourne es una de las mejores películas que se han visto este año. Los primeros treinta minutos de película son, sencillamente, insuperables.

FISCAL
Conforme se acerca al final, la película pierde un poco la genialidad de su primera parte, con momentos de acción más exagerados y gratuitos que recuerdan a sagas del estilo de Misión Imposible. Aún así, las secuencias en cuestión no pueden estar mejor rodadas.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo El ultimátum de Bourne...
Deberías plantearte seriamente ir a verla. Es la mejor película que hay actualmente en cartelera. Y por si alguien se lo pregunta, no es necesario haber visto antes las dos primeras partes de la saga Bourne para entenderla y disfrutarla.

domingo, 19 de agosto de 2007

Un buen día lo tiene cualquiera

UN BUEN DÍA LO TIENE CUALQUIERA
Director: Santiago Lorenzo
Reparto: Diego Martín, María Ruiz, Juan Antonio Quintana...
España – 2007

ARGUMENTO
Arturo tiene treinta años. Después de fracasar en el mundo de los negocios, decide empezar a preparar unas oposiciones, como salida más segura para su futuro. El problema es que apenas tiene dinero para vivir durante ese tiempo, por lo que decide inscribirse en un programa de vivienda, que permite a los jóvenes acceder a una vivienda por un alquiler ridículo, a cambio de compartir piso y dar los cuidados necesarios a un anciano solitario que, en su caso, resultará ser un hombre extremadamente inquieto.

CRÍTICA
Todos sabemos que una crítica siempre es subjetiva. Por eso nadie debe dejarse llevar a ciegas por el criterio de otra persona, y mucho menos pensar que su valoración personal es la más acertada. Dicho esto, que a una película como Un buen día lo tiene cualquiera le den la máxima nota en una conocida publicación cinematográfica, cuanto menos, levanta sospechas sobre la objetividad del crítico en cuestión.

Si bien no se puede categorizar diciendo que la película no gustará a nadie, sí podemos decir que, a buen seguro, de cien personas que la vean, como mínimo, noventa y nueve pensarán que, ni de lejos, ésta es una película de cinco estrellas. Lo raro es que dé la casualidad de que ese 1 por ciento tenga el poder de influenciar sobre miles de lectores.

Lo mejor de la película es su tema y la solución que propone al problema de la vivienda. A partir de ahí no hay mucho más que destacar. La historia tiene conflictos y subtramas que apenas generan interés, bien por insulsos, o bien porque casi todos los personajes carecen de cualquier tipo de empatía.

Por si fuera poco, durante la mayor parte de su metraje, Un buen día lo tiene cualquiera tiñe cada uno de sus escenarios con una atmósfera algo cutre. Independientemente de que la causa sea la falta de presupuesto o una elección estética de su director, lo poco vistosa que resulta la película no es sino otro reclamo más para que los espectadores no se acerquen a la puerta del cine.

ABOGADO
Hay que reconocerle al actor protagonista, Diego Martín, el mérito por sostener con credibilidad a su personaje en mitad de un gran vacío argumental. Además, él y Juan Antonio Quintana, dando vida al insoportable anciano, son los responsables de las tres risas contadas que soltará el espectador durante la proyección.

FISCAL
Se pueden decir muchas cosas, y resumirlas todas en que Un buen día lo tiene cualquiera es otra película más que solo contribuye a vacunar a los espectadores contra el cine español.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Un buen día lo tiene cualquiera...
Vete a una terraza y disfruta lo poco que queda de verano.

viernes, 10 de agosto de 2007

Los Simpson: La película

LOS SIMPSON: LA PELÍCULA (THE SIMPSONS MOVIE)
Director: David Silverman
Reparto: (Voces) Dan Castellaneta, Julie Kavner, Nancy Cartwright...
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Una negligencia cometida por Homer Simpson pondrá a la ciudad de Springfield al borde de su extinción. Para evitar que la contaminación que asola a la ciudad se extienda al resto del país, el presidente del gobierno y su asesor medioambiental tomarán la decisión de aislar la ciudad con una gran urna de cristal blindado de la que ningún habitante podrá salir. La misma persona que ha llevado a la ciudad hasta esa situación, Homer, será la encargada de intentar salvar a sus vecinos de la desaparación.

CRÍTICA
Resulta complicado recordar una invasión publicitaria tan extraordinaria como la que ha acompañado al estreno de la esperada película de Los Simpson. Una serie transgresora en sus inicios, cuyos veinte años de trayectoria la avalan como uno de los mejores productos de la historia de la televisión. Un producto que, por si fuera poco, también convence en su adaptación a la gran pantalla.

Y convence porque no parece un simple encargo para ganar dinero. Matt Groening, creador de la familia Simpson, y compañía se reservaron el derecho a no estrenar la película, si una vez finalizada no quedaba a la altura de lo que la gente podía esperar. Y la verdad es que no van a ser los únicos en pensar que el salto al cine ha valido la pena.

La película está repleta de guiños y bromas desde que aparece el logotipo de la 20th Century Fox hasta la última línea de los títulos de crédito. Una innumerable muestra de excusas para hacer sonreír al espectador de principio a fin, sin traicionar en ningún momento el espíritu y el concepto que tan grande ha hecho a la serie.

Los Simpson es de esas películas de las que se sale recordando en grupo los múltiples momentos divertidos. Quienes la hayan visto ya y aquellos que lo hagan en breve saldrán diciendo aquello de “¿... y cuando Bart sale desnudo...?”, “¿... y cuando a Moe le roban en el bar...?”, “¿... y cuando Homer...?. Seguro que salen unas cuantas.

En cuanto a la historia, decir que tiene la originalidad típica de la serie, aunque sorprende que se desarrolle menos de los esperado en Springfield, la ciudad natal de los protagonistas. Tiene sorpresas para todos los gustos, como ver a Bart deseando ser el hijo de Ned Flanders, o al mismísimo Arnold Schwarzenegger como presidente del gobierno de los Estados Unidos. Pero por encima de todo, la gran apuesta cómica de la película vuelve a ser, como en la pequeña pantalla, el mítico e inigualable Homer Simpson. De largo, uno de los personajes más divertidos en la historia de la televisión... y desde ahora también en la del séptimo arte.

ABOGADO
Que más se puede decir aparte de tener la oportunidad de ver a Los Simpson en pantalla grande, con formato de largometraje, y encima no salir decepcionados.

FISCAL
La película no deja de ser un capítulo largo, y como tal tiene sus momentos muy divertidos y otros un poco más flojos.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Los Simpson: La película...
No creo que ningún fan de la serie vaya a salir defraudado. Los que no lo sean tanto tendrán más problemas: no deja de ser una ración triple del programa. La pregunta es: ¿Queda alguien en el mundo a quien no le guste Los Simpson, aunque solo sea un poco?

jueves, 9 de agosto de 2007

El extraño

EL EXTRAÑO (L´ÉQUIPIER)
Director: Philippe Lioret
Reparto: Grégori Derangère, Sandrine Bonnaire, Philippe Torreton
Francia – 2004

ARGUMENTO
Un forastero llega a Ouessant, una pequeña y remota isla, para empezar a trabajar como ayudante en el faro que preside la costa. En la isla nadie le pone las cosas fáciles. La mayoría de sus compañeros de trabajo, lejos de aceptarle, quieren sustituirle. Ante tanto prejuicio, el recién llegado encontrará la complicidad de una atractiva mujer, pareja de uno los fareros.

CRÍTICA
El extraño es otra agradable sorpresa procedente de Francia, una industria vecina que vuelve a conquistar a los espectadores españoles, de la misma forma que lo hizo recientemente con La última nota. El extraño es, como la anterior, una película sin grandes alardes, pero igualmente efectiva, y con una temática mucho más amable, como simboliza la eterna sonrisa que tiene el protagonista durante todo casi todo su metraje. Una de esas sonrisas que contagian el buen humor al espectador, aunque no acabe de entender qué es eso que le hace tanta gracia al extraño que da nombre a la historia.

Lo mejor que tiene El extraño es que, sin ser especialmente original (historia de un recién llegado a una comunidad cerrada y prejuiciosa), consigue que el espectador olvide los precedentes que ha visto antes para dejarse llevar por una película que vuelve a demostrar que, casi siempre, las mejores historias son las más sencillas, y lo son aún más aquellas que, una vez que terminan, el espectador no sabe muy bien etiquetar dentro de un género cinematográfico.

La película cuenta además con el añadido de estar contada en flashback en su mayor parte, requiriendo una mayor atención del espectador para intentar situar a los personajes del presente dentro del reparto coral del pasado, todos ellos personajes con mucho encanto, e interpretados en su conjunto con un gran nivel.

ABOGADO
Con sus limitaciones y guardando las distancias, El extraño parece un hermano pequeño y francés del mítico protagonista de la película El hombre tranquilo. Como referente no está nada mal.

FISCAL
Su sencillez y el abordar temas que ya hemos visto antes de una u otra manera, la hacen un poco predecible.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo El extraño...
Entra a verla sin miedo. Es una película con facultades para dejar con buen sabor de boca a todo tipo de públicos. ¿Por qué habrá tardado tres años en llegar a España?

domingo, 29 de julio de 2007

Next

NEXT
Director: Lee Tamahori
Reparto: Nicolas Cage, Julianne Moore, Jessica Biel
EEUU – 2007

ARGUMENTO
Cris Johnson trabaja como mago en Las Vegas gracias a una capacidad sobrenatural que le permite adivinar todo lo que va a ocurrir en torno a él los próximos dos minutos de cada momento de su vida. Este poder le ayudará en su vida diaria para ganar un dinero extra cometiendo algún que otro delito, e incluso para saber cuál es la mejor manera de conquistar a una mujer. Los problemas vendrán cuando un cuerpo especial de la policía de EEUU contacta con él para interceptar a un grupo de traficantes de armas, que pretende hacer estallar una bomba de gran potencia.

CRÍTICA
Next dura poco más de noventa minutos, y basta la mitad de ese tiempo para olvidarla. No es porque sea una película rematadamente mala, porque entonces tendría el privilegio de ser recordada durante más tiempo, aunque fuese por méritos negativos. Y tampoco es, ni mucho menos, porque la película sea buena o especialmente recomendable. Next es simplemente una historia que ya hemos visto cientos de veces, por eso costará tanto a los espectadores separar su recuerdo del de otros títulos en el futuro.

Cualquiera diría que el argumento daba para más. Pero no. Al final todo parece una estrategia para vender mejor la película, porque al margen de la extraordinaria cualidad del protagonista, la historia acaba transcurriendo por todos y cada uno de los derroteros más típicos y tópicos del género.

Resulta significativo que la mejor escena de la película sea aquella en la que el personaje de Nicolas Cage intenta conquistar a Jessica Biel adivinando todas las posibles respuestas de la chica, en función de si utiliza una u otra estrategia para entablar conversación. La pena es que ésta sea una isla perdida en un océano de acción puramente comercial.

Lo que más preocupa de Next es descubrir lo poco que se parece Nicolas Cage al actor que ganó un Oscar por Leaving Las Vegas, o al menos a ese actor que tomaba el relevo de Bruce Willis en el papel de tipo duro socarrón, que tantos éxitos de taquilla le proporcionó a finales de los noventa. Lo mismo pasa con Julianne Moore, una gran actriz que resulta bastante difícil de creer interpretando el papel de policía. Tal vez, leído el guión, había empezado a olvidar la película, antes incluso de iniciar el rodaje.

ABOGADO
Lo mejor que se puede decir de la película es que va de menos a más. No es que la cosa al final sea para tirar cohetes pero… algo es algo.

FISCAL
Next es un ejemplo de película prefabricada. La fórmula es la de siempre: Se coge uno o dos actores con nombre, se contrata a una actriz imponente para captar aún más audiencia, se le añade un toque fantástico y como guinda unos terroristas que quieren volar por los aires Estados Unidos. Como resultado: una película relativamente entretenida, desprovista de cualquier tipo de sustancia, pero rentable, que es lo que importa.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Next…
Ve a verla si eres muy fan del género y no te apetece pensar. Con palomitas se digiere mejor.

sábado, 21 de julio de 2007

Cuatro minutos

CUATRO MINUTOS (VIER MINUTEN)
Director: Chris Kraus
Reparto: Monica Bleibtreu, Hannah Herzsprung, Sven Pippig...
Alemania – 2006

ARGUMENTO
Una profesora de piano ya mayor y una joven problemática inician una difícil relación en el interior de una prisión femenina. La maestra solo pretende sacar de la reclusa el talento que hay en sus manos, obviando las causas que le han llevado hasta ahí. Por su parte, la joven tiene bastante con sobrevivir en un ambiente tremendamente hostil, en el que varias personas, con más o menos motivos, tratan de hacerle la vida imposible.

CRÍTICA
Cuatro minutos es una muestra más de los beneficios que tiene para el espectador la obligación de los cines de emitir un determinado porcentaje de películas europeas. Después de La vida de los otros, sin duda alguna una de las mejores películas del año, llega ahora Cuatro minutos, otra película alemana que aún no siendo tan brillante como la anterior, también desprende dureza y calidad a partes iguales.

El principal valor de la película es su profunda temática. La historia es un eterno pulso entre una alumna conflictiva que solo piensa en rebelarse ante todo y ante todos, y una maestra que no ve más allá del talento que hay en las manos de la reclusa. Pero no solo eso. La película también hace que el espectador se pregunte hasta qué punto las personas que acaban en la cárcel llegan allí por méritos propios o simplemente porque la vida no les ha dado ninguna otra oportunidad.

También es brillante el paralelismo que hace la película entre el enorme talento que hay en las manos de la delincuente, y las más limitadas capacidades intelectuales con las que cuenta un funcionario de prisiones bonachón. Un hombre que sufre una agresión por parte de la joven, y que encima ha de ver cómo ésta recibe privilegios por su don para la música.

Esta intensidad temática se traduce en una película que transmite toda la tensión que se respira en el interior de la cárcel. Un territorio muy poco apropiado para desarrollar la carrera artística de un músico, y lo que es aún más preocupante, el peor lugar que se pueda imaginar para rehacer la vida de una persona.

ABOGADO
Además de su complejidad argumental, Cuatro minutos tiene en su haber la soberbia interpretación de las actrices que dan vida a las conflictivas protagonistas. Dos mujeres que solo tienen en común su oscuro pasado y un presente descorazonador.

FISCAL
Aún siendo una película más que recomendable, Cuatro minutos podría haber sido aún más contundente. En la historia tienen un peso excesivo los flashbacks que narran el pasado de la profesora de piano. Recuerdos de una relación vivida en la época nazi, cuyo interés para el espectador es notablemente menor en relación con el resto de la historia. Por otra parte, en el tramo final hay algún que otro momento más tópico y predecible de lo esperado.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Cuatro minutos...
Es de las películas que hay que ver.

viernes, 20 de julio de 2007

Odette, una comedia sobre la felicidad

ODETTE, UNA COMEDIA SOBRE LA FELICIDAD (ODETTE TOULEMONDE)
Director: Éric – Emmanuel Schmitt
Reparto: Catherine Frot, Albert Dupontel, Jacques Weber...
Francia / Bélgica – 2006

ARGUMENTO
Odette es una mujer de mediana edad que trabaja como dependienta en un centro comercial. Es viuda y madre de dos hijos. El mayor es un peluquero gay que se lleva a casa a todos sus ligues. La pequeña es una adolescente problemática sin ganas de trabajar y con un novio que se pasa todo el día viendo la televisión. Lo único que salva a Odette de una realidad tan poco atractiva es una imaginación desbordante y las novelas de Baltasar Balsan, un escritor en horas bajas cuyo destino se cruzará con el de la protagonista.

CRÍTICA
Una comedia sobre la felicidad es el engañoso subtítulo que le han puesto a Odette Toulemonde para su estreno en las salas de cine españolas. Engañoso, en primer lugar, porque aún teniendo el aire cómico de las típicas comedias románticas, en absoluto es una película que se pueda considerar graciosa.

Por otra parte, si hay algo que de verdad no consigue Odette es explicar de una forma convincente qué es eso de la felicidad, a no ser que tengamos que creer que consiste en vivir en el mundo imaginario que tan presente está en la vida de la protagonista. Un mundo que parece estar más relacionado con los efectos de las drogas que con la capacidad ensoñadora de las personas, y que resulta bastante absurdo como espectáculo cinematográfico.

Aunque habrá a quién le guste la película por original, resulta complicado pensar que la gran mayoría no la considere, sencillamente, una película bastante estúpida. Ya no solo por ver volar y hacer coreografías musicales a su protagonista, sino porque la historia en sí no tiene ningún sentido ni credibilidad. No hay nada que justifique los milagrosos cambios de actitud de varios personajes a lo largo de la historia, y mucho menos algo que explique como un personaje como Odette puede llegar a tener tanto magnetismo con respecto a aquellos que la rodean.

En definitiva, no hay un solo argumento de peso para animar a la gente a gastarse el dinero por ver una película así, ni siquiera los notables esfuerzos de la actriz Catherine Frot (La última nota) por darle a su personaje un mínimo de dignidad.

ABOGADO
Por engañoso que sea, el subtítulo una comedia sobre la felicidad es el mayor acierto de la película. Muchos pensarán que van a ver un nuevo Amélie (la película que tanto gustó a muchos en su momento y tan poco a otros tantos), y esa confusión no es sino un acierto que, en este caso, tendrían que apuntarse los responsables de marketing de la distribuidora.

FISCAL
Resulta complicado elegir si lo peor de la película son las coreografías musicales, la inverosimilitud de la historia o las apariciones de un extraño personaje que se llama y se comporta igual que Jesucristo. Sin embargo, por ser especialmente reprochables, me quedo con un par de ramalazos machistas que tiene la película. Frases y actitudes de la protagonista que parecen justificar el conformismo de las mujeres ante la infidelidad e incluso los malos tratos de sus parejas. Un remate lamentable a la altura de tanto despropósito.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Odette, una comedia sobre la felicidad...
Ni te lo pienses. No merece la pena en absoluto.

jueves, 19 de julio de 2007

Atasco en la nacional

ATASCO EN LA NACIONAL
Director: Josetxo San Mateo
Reparto: Pablo Carbonell, Anabel Alonso, Ana Mª Polvorosa...
España – 2007

ARGUMENTO
La familia Montoro se dirige desde Getafe a pasar sus vacaciones veraniegas a un apartahotel de Cullera. En su camino se cruzan con un inmenso atasco que les hace perder casi una jornada entera metidos en el coche. Una vez llegan a su destino, en el hotel les comunican que, debido a su retraso, su apartamento ha sido alquilado a otros turistas. Después de negociar con el recepcionista, la familia consigue que les dejen instalarse en un apartamento en reformas. A partir de ahí, sus vacaciones soñadas tendrán muy poco que ver con la realidad a la que tendrán que enfrentarse.

CRÍTICA
Atasco en la nacional es la simpática sátira que propone el director Josetxo San Mateo (Báilame el agua) para arrancar unas cuantas sonrisas este verano. Se trata de un retrato exagerado de la típica familia española en su búsqueda del descanso, la playa y la fiesta noctuna, en el mismo destino que parecen haber elegido varios miles de veraneantes.

Al estilo de los monólogos de humor, la película hace chistes y referencias a todos los tópicos a los que los turistas de playa nos hemos enfrentado alguna vez: deficiencias en el apartamento que habíamos alquilado, vergonzosos espectáculos de rapiña en los bufets libres de los hoteles, madrugones del cabeza de familia para dejar la sombrilla en primera línea de playa para luego volver a acostarse...

Atasco en la nacional hace de esta forma un divertido repaso a la subespecie humana en que nos convertimos cuando vemos el horizonte del mar ante nuestros ojos. Éste es sin duda el principal activo que tiene la película, la segura identificación del público con lo que va a ver en pantalla, pudiendo sentirse más que cercano a uno o varios de los personajes: la madre maruja, los adolescentes con ganas de juerga nocturna, el marido calzonazos que tiene que cargar hasta la playa con sombrilla, nevera portátil y raquetas de tenis...

De todos estos roles, el más divertido es el interpretado por un soberbio Pablo Carbonell, el mayor aliciente de la película, dando vida al padre y marido que no hace sino todo aquello que le dicta su mujer, pero sin la fuerza de voluntad suficiente para que las tentaciones veraniegas y el alcohol no le jueguen más de una mala pasada. Carbonell es, de largo, el que más sonrisas arranca, y a partir de esta película es muy posible que empiece a dejar de ser el antiguo reportero de Caiga Quien Caiga para empezar a ser considerado un gran actor cómico.

En el lado negativo, hay que decir que la película resulta en ocasiones un poco irregular, dependiendo en exceso de la presencia en pantalla y de los gags de Carbonell. A la historia como tal le falta algo de acción, o al menos un lugar hacia el que dirigirse, habiendo hecho más hincapié en la faceta descriptiva que en cualquier otra.

En cualquier caso, ni siquiera un final algo tramposo, que no responde a la acumulación de expectativas planteadas, es suficiente para que la película no sea más que recomendable, especialmente para la fecha de su estreno. El momento del año en el que, para bien o para mal, todos somos la familia Montoro.

ABOGADO
Atasco en la nacional es la perfecta comedia veraniega. Es complicado que el espectador no tenga cientos de divertidos recuerdos como los que se muestran en pantalla. Y Pablo Carbonell borda su papel, pasando a formar parte de la lista de los más divertidos calzonazos que ha dado el cine español.

FISCAL
La película no tiene muchas más pretensiones que hacernos reír y parodiar a la típica familia española de vacaciones en la playa. Por este motivo, no saldría especialmente bien parada si la analizamos al margen de estas funciones.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo Atasco en la nacional...

Vete a verla si te quieres reír con tus propias miserias. Cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia.

viernes, 13 de julio de 2007

Annie Hall

ANNIE HALL
Director: Woody Allen
Reparto: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts…
EEUU – 1977

ARGUMENTO
Alvy Singer es un conocido cómico neoyorquino con una vida amorosa problemática. Un día conoce a Annie Hall, una mujer divertida con la que entabla una bonita relación. Sin embargo, la difícil personalidad de Alvy, con todos sus prejuicios e inseguridades, acaban por romper la pareja. El protagonista de la película cuenta ésta y otras relaciones importantes de su vida mezcladas con recuerdos de su infancia.

Básicamente, así es como me parece la vida: llena de soledad, miseria, sufrimiento, tristeza… y, sin embargo, se acaba demasiado deprisa.
Alvy Singer

COMENTARIO
Annie Hall es para muchos la mejor obra de Woody Allen. Ganadora de cuatro premios Oscar (película, director, actriz y guión original), la historia retrata de forma muy personal la historia de amor entre la mujer que da nombre a la película y Alvy Singer, un cómico de Nueva York que recuerda mucho a Woody Allen, por mucho que éste se empeñe en negar el parecido con los personajes que interpreta.

Uno de los aspectos más destacados de Annie Hall es su gran originalidad. Lejos de ser una historia de amor al uso, la película está repleta de imaginativos recursos para salirse de la típica estructura narrativa, y contarnos así una historia que tiene tantas partes y tantos saltos en el tiempo como recuerdos hay en la cabeza del narrador.

En la película abundan los guiños que rompen la lógica del cine convencional. El protagonista interactúa en todo momento con el espectador, se dirige a él de la misma forma que habla y pregunta a ciudadanos que encuentra a su paso por la calle para pedirles consejo. Además, se introduce a sí mismo en sus recuerdos para comentar desde dentro los propios flashbacks y entablar conversación con los personajes del pasado (como en la gran escena en la que vuelve a su antigua escuela rodeado de niños).

Toda esta carencia de reglas incluye además una total falta de complejos para interrumpir la acción de la película e introducir temas tan recurrentes en la filmografía del director como el antisemitismo, el equipo de baloncesto New York Knicks, las visitas al psicoanalista, fobias varias y un sinfín de referencias cinéfilas y literarias. Todos ellos temas abordados como sólo sabe hacerlo el director neoyorquino, con un sentido del humor único e inigualable.

Por último, tratándose de una película de Woody Allen no pueden faltar las múltiples frases inolvidables tan características en su prolífica filmografía. Sirvan como ejemplo estas tres brillantes sentencias: “No te metas con la masturbación… es hacer el amor con alguien a quien amo”, “Llevo quince años yendo al psicoanalista… uno más y me iré a Lourdes” o la más pesimista “Yo creo que la vida está dividida en dos categorías: Lo horrible y lo miserable”.

ABOGADO
Hay muchas maneras de contar una historia de amor y de retratar la primera cita entre dos personas, el miedo al compromiso y todo lo demás. Pero solo hay un Woody Allen capaz de contarlo de la manera que lo hace en Annie Hall. Una película irrepetible.

FISCAL
Cuando en una película encontramos tantas referencias culturales y tantas sentencias sobre cuál es el verdadero sentido de la vida, es inevitable pensar que el autor de la película acaba pecando de eso que tanto parece molestarle al protagonista de la historia: la pedantería.

VEREDICTO
¿Por qué Annie Hall es un clásico imprescindible?
Porque es un gran ensayo sobre las relaciones personales, y, además, una de las mejores películas de Woody Allen, lo cuál ya es decir mucho.

lunes, 9 de julio de 2007

La última nota

LA ÚLTIMA NOTA (LA TOURNEUSE DE PAGES)
Director: Denis Dercourt
Reparto: Catherine Frot, Déborah FranÇois, Pascal Greggory…
Francia – 2006

ARGUMENTO
Mélanie es una niña de diez años con gran talento para tocar el piano. En pleno examen para ingresar en el conservatorio, una de las jueces que tiene que evaluarla se distrae para firmar un autógrafo, lo que provoca la desconcentración de la niña y estropea su actuación. Pasados los años, la niña ha crecido, y lejos de olvidar, ha planeado vengarse.

CRÍTICA
La última nota es una película perfecta. Una historia llena de intriga e inquietud realizada a partir de un guión al que no le sobra nada. La película va al grano desde el primer plano y sin dar un solo rodeo. Todo ello para contarnos hasta qué punto puede llegar el rencor de una niña cuando se frustra una ilusión infantil.

El director Denis Dercourt se lleva esta trama de venganza al terreno de la música, utilizando todas las posibilidades que este arte y su puesta en escena le ofrece. Ejemplo de ello es que una figura que muchos obviábamos, como la pasadora de páginas que utilizan los pianistas y otros músicos, se convierte en la pieza principal de la historia, gozando de un terrible poder sobre el propio músico.

Aparte de esta figura, el uso más inteligente que hace de la música el autor de la película es utilizar como banda sonora todas y cada una de las composiciones clásicas que los distintos personajes interpretan en pantalla, ya sea un músico ensayando, una niña haciendo un examen ante varios jueces o una famosa concertista tocando el piano para miles de personas, integrando perfectamente la tensión que se palpa en cada escena con la intensidad de la obra que escuchamos.

No hay mucho más que decir cuando las cosas están tan bien hechas, salvo animar a la gente a ver la película. Para que disfruten de su argumento, de su música y del gran duelo interpretativo que mantienen sus dos actrices protagonistas.

ABOGADO
La última nota es todo un ejemplo de buen cine. Una obra muy del estilo y de la calidad del mítico Alfred Hitchcock. Algo que no es muy fácil de ver hoy en día.

FISCAL
Al salir de la sala había gente que acusaba a la película de ser un poco lenta. Yo no estoy de acuerdo, pero está bien decirlo… por si acaso.

VEREDICTO
Si pasas cerca de un cine donde están poniendo La última nota…
No hagas caso del resto de la cartelera. Entra a verla, es de lo mejor que se ha visto en 2007.